Recordando a Sam Neill: nuestras interpretaciones favoritas del icónico actor
Ya son dos semanas desde que el querido Sam Neill falleció y la tristeza se sigue sintiendo en el equipo de Palomita de maíz. Con base en los muchos tributos que aparecieron con las noticias de su deceso, Neill se caracterizó por ser, más allá de un excelente actor, una gran persona y un memorable colaborador para sus colegas de la industria cinematográfica.
Lo cierto es que, al revisar su prolífica carrera que cubrió más de cinco décadas, Neill se posicionó como uno de los grandes gracias a su entrega discreta, pero efectiva, así como a su compromiso para trabajar en cualquier género. Es increíble que mientras algunos lo recuerden mejor como el paleontólogo gruñón de la película de aventuras Jurassic Park, otros lo recuerden como el esposo tóxico en el terror psicológico Possession o el interés romántico por excelencia en My Brilliant Career. No cabe duda de que tenía el rango, el interés y la destreza para explorar con dinamismo la experiencia humana (¡Y ni qué decir del ojo artístico para trabajar con algunos de los grandes del séptimo arte!).
Para celebrar su vida y su carrera, en Palomita nos dimos a la tarea de reflexionar sobre sus nueve roles icónicos que marcaron a los integrantes de este equipo, siempre subrayando su compromiso y su facilidad por capturar la humanidad de sus personajes.
Bicentennial Man (Dir. Chris Columbus, 1999)
Hay filmes que se vuelven un lugar seguro, la insignia de una época, a veces hasta un refugio. Bicentennial Man tiene eso. En plenos años 90, cuando el neoliberalismo apuntaba a intentar interpretar el nuevo mundo, un filme de ciencia ficción sobre un robot con tendencias humanas explicaba más del futuro que muchos análisis científicos. Esa suerte de hombre de hojalata moderno dejaba en claro que ninguna inteligencia artificial podrá superar jamás el placer del sentir y existir.
Una de las escenas más emotivas es, justamente, la de la muerte de Richard, el patriarca, interpretado por Neill. “Estabas en lo correcto en querer tu libertad”, le dice a Andrew (Robin Williams), y en un gesto tan simple pero tan certero, fue capaz de hacer llorar hasta a cualquier insensible. Williams y Neill supieron ser acá una dupla infalible, uno desde la hombría del patriarca y el otro desde una inocencia desconocida. Si la frase “los hombres también lloran” tuviera que volverse persona, sin duda sería esta dupla. Grande es el caballero que no se amilana ante la sensibilidad.
Quizás por esto Bicentennial Man envejeció mejor que otras tantas películas que predecían el siglo XXI. Entendió muy bien que el progreso nunca consistirá en fabricar inteligencias cada vez más sofisticadas, sino en preguntarnos qué nos hace humanos y por qué vale la pena seguir sintiendo. – Valentina Starcovich
Event Horizon (Dir. Paul W.S. Anderson, 1997)
Estrenada en 1997, Event Horizon se ha convertido con el paso de los años en una de las grandes obras de culto del horror espacial. Entre corredores góticos, visiones infernales y horror cósmico, la película encontró en Sam Neill el corazón de una pesadilla que, casi tres décadas después, continúa perturbando a generaciones de espectadores.
Como el doctor William Weir, Neill construye primero a un hombre consumido por el duelo antes que a un antagonista. Su descenso hacia la obsesión nunca se siente abrupto; nace de la culpa, del vacío y de una necesidad desesperada por aferrarse a aquello que perdió. Cuando finalmente cruza el umbral de la locura, no vemos a un villano, sino a un hombre que terminó siendo devorado por sus propios fantasmas.
Ese fue uno de los grandes dones de Sam Neill: encontrar humanidad incluso en los personajes más quebrados. En una película donde el horror amenaza constantemente con devorarlo todo, nunca pierde de vista el dolor que habita a William Weir. Gracias a ello, Event Horizon no solo nos dejó uno de los rostros más inquietantes de la ciencia ficción, sino también el recuerdo de un actor capaz de convertir incluso a los personajes más cuestionables en seres profundamente humanos. – Jacob Fernández
Hunt for the Wilderpeople (Dir. Taika Waititi, 2016)
Muchas conocimos a Sam Neill como el Dr. Alan Grant, un paleontólogo brillante con desprecio hacia los niños que, a lo largo de una desastrosa aventura, aprende a cuidar y apreciar a los dos niños que se quedaron con él tras ser atacados por un tiranosaurio rex. En la cuarta película de Taika Waititi, Hunt for the Wilderpeople, Neill retoma a un personaje muy familiar: un hombre mayor huraño que, por azares del destino, debe cuidar de un niño. La diferencia temporal entre estos dos roles le da a Neill la oportunidad de revisitar y darle nuevos matices y profundidades a un arquetipo conocido.
Hunt for the Wilderpeople comienza con Ricky (Julian Dennison), un huérfano rebelde que es colocado con Bella (Rima Te Wiata) y Hector Faulkner (Neill), una pareja que vive en una cabaña. Tras el repentino fallecimiento de Bella, le informan a Héctor que Ricky será colocado de vuelta en el sistema de adopción. Ricky huye, Hector le sigue y la agente del sistema de adopción a cargo del caso de Ricky (Rachel House) inicia una persecución para atraparlos.
Más allá de la historia central, enfocada en un coming of age para Ricky, la base emocional de la película es la de un hombre mayor que carga con la pesadez de sus decisiones y que se enfrenta a la realidad de que está y vivirá solo. En un momento donde se permite sentir vulnerabilidad, se describe a sí mismo y al muchacho como “perros perdidos” que fueron rescatados por Bella. Sabe, en todo momento, que el viaje que comparte con Ricky por los bosques de Nueva Zelanda es una aventura temporal, y el frágil balance entre su personalidad arisca y los momentos de vulnerabilidad de Neill es lo que hacen al filme brillante. – Oralia Torres de la Peña
In the Mouth of Madness (Dir. John Carpenter, 1994)
Son pocos los actores que, solo con su nombre en los créditos, iluminan a la película con su presencia y magnetismo. Se dice fácil, y es hasta cliché escribirlo al hablar de alguien que tomó el largo viaje a través de la noche, pero de verdad que son pocos, y no terminas de entenderlo hasta que sabes que no volverás a verlo en nuevas películas. Sam Neill es uno de ellos. Veo su filmografía y es una trayectoria versátil y magnífica, con muchas historias originales e intrigantes que son parte del canon fílmico de una forma u otra. Asimismo, se retaba constantemente con los papeles que seleccionaba, de manera que, a excepción de un personaje, rara vez se repetía. En el género del horror, su nombre es garantía de que el filme tendrá una base sólida y subtexto terrorífico, sin importar el resultado final.
Tras aparecer en la película de ciencia ficción Memoirs of an Invisible Man (1992), Neill volvió a trabajar con John Carpenter en In the Mouth of Madness, esta vez como protagonista. Junto a The Thing (1982) y Prince of Darkness (1987), este filme forma parte de la “Trilogía del apocalipsis” y se enfoca en John Trent (Neill), un agente de seguros que investiga la desaparición del escritor de horror más popular del mundo, Sutter Cane (Jürgen Prochnow), justo antes de la publicación de su última novela.
Neill interpreta a Trent con la firmeza escéptica de quien busca la explicación racional para las sombras en la oscuridad, y retrata la desesperación y desamparo de un personaje que enfrenta fuerzas desconocidas y amenazantes, con nadie a su alrededor creyendo en su palabra. La forma en la que personifica el eventual descenso a la locura de su personaje y el terror puro que siente es maravillosa: en los últimos minutos de la película, suelta la carcajada desesperada de un hombre condenado que, poco a poco, entiende la ironía de su supervivencia. – Oralia Torres de la Peña
Jurassic Park (Dir. Steven Spielberg, 1993)
Sam Neill entregó una de las interpretaciones más memorables de Spielberg en Jurassic Park (1993) y lo hizo para un director que siempre tuvo buen ojo para encontrar estrellas. Spielberg supo ver el carisma de O’Neill en un rol que demuestra lo versátil que era, ofreciendo una interpretación que elevó al filme a un clásico que traspasa generaciones.
Neill encarna a Alan Grant con naturalidad y presencia que lo convierten en el corazón humano de la historia: un paleontólogo algo gruñón, apasionado por su trabajo y, sobre todo, creíble. Ese equilibrio entre autoridad científica y calidez personal hizo que el personaje fuera inmediatamente icónico, contribuyendo al enorme éxito del filme y asegurando que, décadas después, siga siendo referencia obligada para nuevas audiencias.
Su actuación brilla especialmente en su mirada. Con solo una expresión, Neill transmite asombro, terror y fascinación al mismo tiempo; por ejemplo, cuando Grant observa por primera vez a los dinosaurios, sus ojos demuestran una emoción tan auténtica que el espectador olvida por completo que está ante efectos especiales. De igual forma, Neill no sobreactúa: usa el silencio y su intensidad serena para construir un personaje que reacciona exactamente como lo haría cualquier persona real ante lo imposible. La actuación también tiene mucho de héroe de cine de aventuras, ese hombre que hace sentir que nada malo pasará mientras él esté presente.
Su Alan Grant representa una era dorada del cine de blockbusters inteligentes, donde las estrellas no necesitaban exagerar para conectar con el público. Su elegancia natural y su capacidad para transmitir humanidad profunda dejan un hueco difícil de llenar en el imaginario colectivo. – Julia Andrade
My Brilliant Career (Dir. Gillian Armstrong, 1979)
Si bien My Brilliant Career es la historia victoriosa de Sybylla Melvyn (Judy Davis), una joven con sueños inmensos, una ambición desbordada y recursos limitados, la presencia del interés romántico aparece más que como una amenaza sino como una oportunidad para considerar lo anteriormente impensable: ¿qué pasa si, incluso con todas tus reglas y la necedad por la soledad, encuentras el amor de manera inesperada?
El hecho de que este galán sea interpretado por Sam Neill con una sensibilidad de ensueño, un sentido del humor cómplice con las peripecias de la protagonista inquieta y una sinceridad sentimental que lo hace el rey del anhelo casi 50 años antes de que este se pusiera de moda, hacen que su Harry Beecham sea uno de los mejores intereses románticos en la historia del cine. Harry se pone al tú por tú con Sybylla, toma con dignidad una pelea intensa de almohadas en medio del día y cuenta con ansias los años para el reencuentro, siempre impregnado de la naturalidad, picardía y romanticismo desesperado de Sam Neill.
Aunque se celebra la determinación de la heroína en mantener su independencia y enfocarse en su carrera, sí se rompe – aunque sea poquito – el corazón al pensar en la devoción desesperada del hombre serio que cayó rendido a los pies de Sybylla Melvyn precisamente por todas esas cualidades que la hacían indeseable para cualquier interés romántico tradicional. – Alessandra Rangel Castillo
Peaky Blinders (Creador Steven Knight, 2013-2015)
Es una expresión conocida que toda historia es tan buena como sus villanos. En el caso de Peaky Blinders esta se convirtió en una verdad innegable. La serie de Steven Knight es parte de la cultura popular a 15 años de su estreno, y esto no hubiera sido posible sin la presencia de Sam Neill en las primeras dos temporadas como el inspector Chester Campbell, antagonista principal a los ambiciosos y delictivos planes de la familia Shelby.
Campbell representaba el orden y la legalidad en contraposición a la anarquía de los Peaky Blinders, pero un orden basado en violencia y corrupción que decantaba en autoritarismo. Si su personaje iba a los extremos, la actuación de Neill no lo hacía; por el contrario, mostraba la cantidad justa de histrionismo, sensibilidad e incluso expresividad y presencia física para ser un villano creíble e igualmente efectivo en un universo tan excéntrico como el de la serie. Campbell nunca amenazó el protagonismo de la familia Shelby, sino que lo ensalzaba porque los hacía merecedores de su atención obsesiva. Esa fue, en gran medida, la receta del éxito de Peaky Blinders y, por ende, las bases que cimentaron la fama que goza hoy.
En las temporadas posteriores a la salida del inspector Campbell, la serie intentó crear antagonistas igual de memorables con villanos de época, actores ganadores del Óscar o “actores de carácter”; sin embargo, ninguna fórmula fue tan efectiva como la que trajo Sam Neill a Peaky Blinders: una humanidad conflictuada, la tiranía frustrada y la crueldad injustificada de un corazón roto. Nunca fue necesario ningún intento de redimirlo porque en su actuación Sam Neill dio todas las pistas sobre la realidad de su personaje: la maldad existe en el mundo y a veces es la esperanza de la luz más cálida la que nos conduce a la oscuridad insalvable. – Lourdes Yactayo
The Piano (Dir. Jane Campion, 1993)
Cuando Jane Campion presentó The Piano tenía bien claro el desafío que asumía. Es la clase de filme que no solo marca una época, sino que cambia la forma en que el cine mira a las mujeres. Mucho antes de que la industria comenzara a hablar de la “mirada femenina”, la realizadora neozelandesa ya había construido una historia donde el deseo, el silencio y el poder dejaban de ser patrimonio exclusivo de los hombres. Ada (Holly Hunter) no necesitó palabras para convertirse en una de las protagonistas más complejas; más bien, le bastó un piano para expresar aquello que el mundo insiste en gritar.
Es fácil recordar la intensidad de Holly Hunter o la sensibilidad de Anna Paquin; sin embargo, parte de la grandeza de la película también reside en el personaje de Alisdair Stewart, interpretado por Sam Neill. Es que este siempre ha estado allí, aún entre las sombras, escondido, como una parte más de la orquesta, sin buscar reflectores, nomás conformándose con ver que el conjunto suena bien. Aquí, Campion supo que en otras manos, Alisdair hubiera sido un villano unidimensional, el esposo autoritario destinado a representar el patriarcado. Neill, en cambio, lo convierte en algo mucho más incómodo, en un hombre incapaz de comprender a la mujer que tiene delante.
Alisdair Stewart es producto de un orden social que le enseñó que el matrimonio era una forma de posesión y que el amor es la consecuencia inevitable de esto. Su tragedia consiste en descubrir, demasiado tarde, que ninguna de las dos cosas puede imponerse. El filme no lo absuelve de su condena, pero tampoco lo caricaturiza. Al final, es el espectador quien ve sus contradicciones, lamenta su frustración y, finalmente, es testigo del dolor de comprender que el afecto jamás nace de una obligación. En él vive la encrucijada de saber que un hombre jamás podrá ser capaz de amar correctamente si antes no comprende el significado de la palabra libertad. – Valentina Starcovich
Possession (Dir. Andrzej Żuławski, 1981)
Lo que Neill logró como Mark en Possession, el esposo frío y ausente de la Anna de Isabelle Adjani, fue el retrato de un hombre cuyo desbalance proviene del lado de la lógica. El colapso de Mark proviene a partir de la desintegración de su vida doméstica. Sin propósito y sin identidad, comienza a perder rastro de lo que es real y es falso en su vida, mostrando un lado controlador y sombrío que envuelve al personaje.
El actor neozelandés demuestra una habilidad innata en la penumbra, la cual muestra continuamente en otros filmes (por ejemplo, In the Mouth of Madness). Su Mark es la representación de cómo hasta el hombre más calculador puede convertirse en presa de sus propios actos. Sin importar que tan inhumano y caricaturesco llegue a ser, Neill presenta el perfil y su colapso de forma realista, cayéndose a pedazos como una torre hasta los momentos finales del filme, donde todo sentido de su ser y de la realidad se desploman por completo.
El filme de Andrzej Żuławski dio a luz a dos grandes actuaciones, irrepetibles e inigualables. Bajo el trabajo de otros artistas menores la balanza de peso de escena a escena entre ambos personajes podría deambular entre un actor y el otro sin encontrar un balance verdadero. Con la participación de tanto Adjani como Neill, Possession es un ballet de la locura, completamente balanceado. Ambos actores permiten que sus coprotagonistas brillen, sin opacar al otro, resultando en un convencimiento de la audiencia de que ambos están bailando en el borde de la locura y la realidad. – Charlie Ruiz
Originaria de la Ciudad de México, Alessandra considera al cine como su gran amor. Fanática empedernida de Paul Newman y La Momia (1999), y dueña de una facilidad envidiable para aprenderse diálogos innecesarios para la vida real, en 2017 fundó Palomita de maíz. Aquí escribe constantemente sobre cine y televisión. También pueden encontrar sus palabras en sitios como InSession Film y Filmotomy.