“Misterios de la Sala Oscura: ensayos sobre el cine y su tiempo” de Fernanda Solórzano

Escrito el 10 noviembre, 2020 @eloisarm16
En “Leyendo cine” revisamos aquellas obras literarias que tienen un lazo especial con el cine. Ya sea libros que nos ayudan a comprender mejor el séptimo arte u obras que han cobrado nueva vida en la pantalla grande.

Un texto imprescindible para los amantes del cine

Misterios de la Sala Oscura: ensayos sobre el cine y su tiempo es el libro de la crítica de cine mexicana Fernanda Solórzano que habla sobre las películas y su trascendencia. A manera de ensayo, Solórzano realiza un recorrido histórico abordado desde la perspectiva cinematográfica con ocho de las películas que causaron impacto, marcaron pauta y han resistido la prueba del tiempo en el cine moderno mundial.

La escritora analiza su selección desde el contexto histórico, social y político, revisa las reacciones y controversias en el momento de su estreno y explora la historia de los involucrados. Entrelaza las vidas de directores, escritores y actores, y las coincidencias que los unieron como una especie de rompecabezas y llevaron a la realización de cada cinta.

Las películas que Solórzano analiza son: La naranja mecánica (Stanley Kubrick, 1971), El último tango en París (Bernardo Bertolucci, 1972), El padrino (Francis Ford Coppola, 1972), Tiburón (Steven Spielberg, 1975), El exorcista (William Friedkin, 1973), Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), Forrest Gump (Robert Zemeckis, 1994) y Matrix (Las hermanas Wachowski, 1999). Para la introducción de su texto utiliza Mulholland Drive (David Lynch, 2001), de la que describe una de sus secuencias como metáfora de lo que significa el cine para ella.

Ocho películas, ocho ensayos

Este libro no hace uso de la crítica convencional, más bien, se aleja de esta. El análisis parte de la mirada de la juventud, la mujer y su lucha por la liberación, el hombre en la soledad del ser, la infancia abandonada frente a un mundo que la obliga a perder sus sueños e inocencia, y el bien y el mal como tono indisoluble.

La violencia en grupo

En el capítulo Las máscaras de la violencia, Solórzano explora el surgimiento de las pandillas en Manchester, Londres y Nueva York durante la revolución industrial en el siglo XIX y su evolución hasta nuestros días. Lo conecta con las críticas y reacciones del estreno de La naranja mecánica.

La naranja mecánica generó controversia debido a la violencia mostrada en pantalla. Muchos de los actos vandálicos y delitos de los 70s fueron atribuidos a los efectos de la película en la juventud y el hecho de que los códigos de vestimenta de los protagonistas fueran inspiración para jóvenes pandilleros no ayudó.

El contexto histórico planteado en el libro propone que el problema de la violencia de pandillas ya existía, resurge cíclicamente y se buscan culpables en el arte y no en la pérdida de valores de la sociedad. Esta situación se puede observar en los grupos que se visten con chalecos antibalas y camisas hawaianas en Estados Unidos o los chalecos amarillos de protestas en Francia, usados como códigos en su lucha en contra del sistema.

Finalmente, Solórzano revisa el rechazo de Kubrick hacia su película hasta llegar al punto de no querer hablar de ella o autorizar nuevas proyecciones.

Feminismo

En La erótica feminista, se analiza el estreno de El último tango en París, que coincidió con la segunda ola del movimiento feminista, del que hace un recuento desde sus orígenes. Solórzano indaga en la controversia que dividió la opinión pública en relación con el retrato de una mujer que no encaja en el ideal femenino de la época y que explora libremente su sexualidad.

También plantea cómo es que sus protagonistas no son figuras con las que era fácil identificarse y sirvieron para desmontar el esquema de roles y/o identidad sexual. Por último, explora las polémicas sobre el rodaje de la película y sus protagonistas, la vida de Bernardo Bertolucci y la exposición en pantalla de la sexualidad implícita que llevó a la creación de una nueva categoría de censura en Estados Unidos.

El poder como un leviatán con la cara de la mafia

El capítulo La purificación del poder centra su análisis en El Padrino, explorando las implicaciones del poder, la política y los lazos familiares. Solórzano revisa cómo se establece un nuevo paradigma de la mafia haciendo un retrato atractivo y respetable del criminal en una sociedad en la que se había perdido el respeto a la dirigencia y al sistema.

En medio del escándalo de Watergate, con Nixon y su gabinete cuestionados, la figura de Don Corleone, un hombre que respeta los códigos, lealtades y cuya prioridad es la familia, surgió como referente de justicia y protección en medio del caos e incertidumbre por la que atravesaba el pueblo estadounidense. Como anécdota curiosa nos enteramos de que el estilo de Marlon Brandon en la película fue copiado por los jefes de la mafia siciliana.

El ensayo lleva al lector a descubrir una mirada nueva de un clásico que ha sido analizado incontables veces, pudiendo ser reinterpretado como “una crítica al poder de la derecha desde una trinchera conservadora”.  También puede ser interpretada como la reinvención del sueño americano, en donde una familia de inmigrantes italianos llega y triunfa en América, lo que se explora en profundidad en su secuela, El padrino II.

Solórzano revisa las vidas de Francis Ford Coppola y el escritor Mario Puzo, el proceso de selección de actores, las demandas del estudio y las habilidades negociadoras de Coppola, quien se perfilaba como uno de los líderes de la nueva ola de directores de cine de autor en Hollywood.

El miedo

En Los resortes del miedo, Solórzano analiza El exorcista como referente del cine de terror moderno – debido a los efectos especiales – y su impacto – debido a la respuesta de un público vulnerable y sensibilizado por el miedo y el cambio de década. Su estreno coincidió con el fin de la inocencia marcado por el asesinato de Sharon Tate, la crisis de valores, y el descrédito de las instituciones políticas, sociales y eclesiásticas.

Aquí se revisa como es que El exorcista inauguró una nueva estética en el género de terror a través de la imagen e incorporación del exorcismo al imaginario colectivo, fórmulas que reproducirían con éxito películas posteriores. Muchos de los efectos especiales utilizados se inventaron en ese momento y terminaron lastimando a los actores, lo que quedó plasmado en cámara y dio realismo a las escenas. El horror de las imágenes provocaría, hasta el día de hoy, histeria y temor en el espectador.

Además, explora la relación entre William Friedkin, director judío al que Howards Hawks ayudó a encontrar su estilo narrativo, y William Peter Blatty, escritor y jesuita frustrado que se inspiró en un artículo publicado en el Washington Post sobre la posesión satánica de una joven de 14 años para escribir el libro en el que estaría basada la película.

El cine como entretenimiento puro

A través de Tiburón, en el capítulo La entronización de la adolescencia se deconstruye la figura de Steven Spielberg y se repasa las maneras en que cambió las normas del cine al inaugurar lo que en adelante se conocería como blockbuster, cine efectista y manipulador sin significado oculto que solo busca entretener y complacer a las audiencias.

El cine fuera de toda ideología es un modelo totalmente válido cuando es buen cine y Spielberg, ajeno a la contracultura, espontaneidad y rebeldía, es un maestro en la ejecución. El ensayo explora cómo eliminó del guion de Tiburón todos los conflictos de clase, infidelidades y demás temas controversiales para lograr que su película tuviera un efecto más inmediato en las audiencias, una experiencia emocional. A pesar de un rodaje accidentado y caótico, logró con imaginación y un modesto presupuesto crear complicadas escenas acuáticas que, acompañadas de una banda sonora con solo dos compases, se grabó en el inconsciente del espectador que en adelante entraría al mar con cautela.

Solórzano traza paralelismos entre personajes literarios adolescentes como Tom Sawyer (Huckleberry Finn) y Holden Caulfield (El guardián en el centeno) y Spielberg, el “hombre para siempre niño”, que refuerzan su imagen de adolescente eterno.

El redentor

En El vengador de la noche nos adentramos en las vidas de los involucrados en la creación de Taxi Driver. Solórzano estudia la estricta crianza religiosa de Paul Schrader (guionista) y la vocación religiosa de Martin Scorsese (director), quienes más tarde realizarían obras inspiradas en la religión, First Reformed y Silence, respectivamente. Entre ambos crearon a un personaje que se ve a sí mismo como un redentor, un soldado de Dios.

También explora la crianza atípica de una Jodie Foster precoz y la enigmática personalidad de Robert De Niro, quien dio vida al protagonista Travis Bickle e improvisó el monólogo más recordado de toda la película: “¿Hablas conmigo? (You talkin’ to me?)”, que deja en evidencia la psicosis del protagonista.

La autora repasa las reacciones y la polémica que generó la película, la respuesta del público, el atentado que sufrió el entonces presidente Reagan a manos de un hombre que confesó hacerlo para llamar la atención de Jodie Foster, la figura de Arthur Bremer (quien planifico asesinar a Nixon e hirió a George Wallace) como inspiración para la creación del protagonista, y el fenómeno de los asesinos de masas.

La corrección política

En el capítulo La defensa del mediocre, se analiza la cinta Forrest Gump conectándola con temas como la eugenesia, la purificación de la raza nazi y su estrecha colaboración con científicos norteamericanos, las implicaciones del proyecto mapa del genoma humano y el movimiento en favor de las personas con discapacidad.

El ensayo expone cómo fue que la maquinaria Hollywoodense transformó una historia políticamente incorrecta, cáustica y crítica en una película conmovedora y entretenida con un mensaje positivo de superación. El mensaje de que un hombre con discapacidades puede conseguir lo que se propone llegó a públicos más amplios, convirtiendo a la película en una de las cintas más exitosas del cine reciente.

Solórzano revisa la vida de Robert Zemeckis (director) y su conexión con Steven Spielberg (mentor y productor de la cinta), así como la imagen y los antecedentes de Tom Hanks que influyeron en el éxito del proyecto.

Liberación e identidad

En Las transformaciones de cuerpo, Matrix es analizada a partir de la confrontación entre el hombre y la máquina, y de la realidad virtual y la tecnología. Esta película es vista como hito dentro del género de ciencia ficción, como obra posmoderna y como relato de redención del género humano.

En su cosmovisión, las hermanas Wachowski presentan un entrelazado teológico en dónde diferentes religiones parecen definir el camino que debe seguir Neo en su transformación. A través de la espiritualidad se aborda el tema del enfrentamiento entre el hombre y Dios, quien tiene en sus manos el poder de decidir quién vive, en determinar cuál es límite o los valores que permiten identificar quién tendrá el futuro perfecto.

Solórzano plantea que, a pesar las muchas lecturas filosóficas que se le pueden dar a la película, su subtexto contiene un mensaje de liberación y de búsqueda de identidad que se vio reflejado en pantalla debido al cambio de género que estaban asumiendo sus creadoras, las hermanas Wachowski.

Además, se revisan las decisiones estéticas e innovaciones tecnológicas para crear la que se considera una de las películas más revolucionarias en el área de efectos visuales y técnicas fotográficas jamás filmada.

Un referente para las nuevas generaciones de cinéfilos

El libro cuenta con una prosa ingeniosa y amena con una estructura que recuerda la edición de una película y transforma la experiencia del lector al acercarla a la del cine. Su escritora nos hace evocar cada película con otra mirada, ya no simplemente desde la butaca, sino desde la mente y el corazón de sus realizadores y actores, pero, sobre todo, desde la mano oculta de una industria cultural que decide, posiciona y premia aquellas propuestas que encajan en su agenda.

Misterios de la sala oscura se convierte en un referente imprescindible para que las nuevas generaciones de cinéfilos comprendan el impacto de estos clásicos del cine moderno en la sociedad y la industria cinematográfica.

 

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