Los mejores diseños de vestuario de 2021
El lenguaje cinematográfico es amplio y complejo, trasporta hacia mundos e historias incomparables. El séptimo arte se sirve de la cooperación grupal para construir realidades que se vuelven verdaderas para el público. Tan importantes como una dirección organizada y una fotografía propositiva, están una banda sonora adecuada, una escenografía impecable, efectos especiales impactantes y el diseño de vestuario, los cuales proveen realismo y emoción.
El diseño de vestuario es parte de la estrategia comunicativa que define la manera en que se interpreta la historia que se observa en pantalla; es calidad y precisión histórica; contiene significado simbólico, referencias culturales y la capacidad de expresar la evolución de la trama.
En las películas de 2021 se encuentran trabajos creativos espectaculares y memorables que seguro servirán de inspiración en años futuros. A continuación, un repaso de nuestros 20 diseños de vestuario favoritos de 2021.
Cruella
Dir. Craig Gillespie
Diseño de vestuario: Jenny Beavan
La nueva adaptación de la novela publicada en 1956 por Dodie Smith tiene un eje central en torno a la moda. Ésta es el medio de expresión de la estructura de personalidad, referencias y recuerdos de la protagonista. El ambiente alternativo, de cambios y movimientos sociales y culturales de Londres de los 70 es el contexto ideal para que Estella / Cruella (Emma Stone) desarrolle su potencial creativo y rompa las reglas establecidas hasta el momento con el fin de convertirse en una reconocida modista.
Jenny Beavan, dos veces ganadora del Óscar por A Room with a View (James Ivory, 1985) y Mad Max: Fury Road (George Miller, 2015), creó aproximadamente 200 estilos para la película. De estos, Estella luce 47, reflejando su viaje personal y evolución emocional. Sus estilos, un maquillaje extravagante y su icónico peinado bicolor engloban la actitud histriónica y el estilo vanguardista, punk y rebelde. Por su parte, la Baronesa Von Hellman (Emma Thompson) es la imagen de la costura clásica, exclusiva y tradicional. A través del estilo, se observan representaciones diferentes gracias a la expresión artística y desinhibida de la moda.
Cyrano
Dir. Joe Wright
Diseño de vestuario: Massimo Cantini Parrini
Basada en la obra de Edmond Rostand de 1897, Cyrano de Bergerac, Cyrano emula una producción teatral donde el vestuario elaborado por Massimo Cantini Parrini (Tale of Tales y Dogman) recrea la estética de acuarelas del siglo XVIII.
La pertenencia de los diferentes grupos sociales como nobles, burguesía, clero y campesinos posee una paleta de color diferenciadora. Cyrano (Peter Dinklage) es ataviado en trajes militares que denotan rango, así como en trajes teñidos en tonos rojizos que se magnifican dependiendo del contraste con la luz y las sombras.
Duna
Dir. Denis Villeneuve
Diseño de vestuario: Bob Morgan, Jacqueline West
El concepto futurístico-medieval de Duna es el eje central de la nueva adaptación del libro de Frank Herbert publicado en 1965. La relación entre el diseño de vestuario creado por Bob Morgan (Behind the Candelabra, Inception) y Jacqueline West (The Social Network, TheTree of Life), maquillaje y peinado, fotografía y diseño de producción, enmarca el contexto y se complementa con las características físicas y arquitectónicas donde se desarrollan las escenas. Dune es una producción conceptual extraordinaria que se acerca al movimiento estético avant-garde con motivos políticos, religiosos, culturales donde el poder se expresa a través del vestuario.
El escuadrón suicida
Dir. James Gunn
Diseño de vestuario: Judianna Makovsky
El escuadrón suicida entró a una etapa con nuevas misiones por cumplir con la llegada de James Gunn a la silla de director. Judianna Makovsky (Avengers: Endgame, The Hunger Games) evolucionó la apariencia de estos antihéroes con atuendos personalizados según el origen y sus ambiciones, inspirada en videojuegos y referencias de los cómics. Creados junto con el equipo de maquillaje y peinado, destacan los atuendos femeninos y delicados de Harley Quinn (Margot Robbie).
El misterio de Soho
Dir. Edgar Wright
Diseño de vestuario: Odile Dicks-Mireaux
En El misterio de Soho, Eloise (Thomasin Mckenzie) es una joven aspirante a diseñadora de modas. Su vida se transforma al mudarse a Londres para estudiar en una prestigiosa escuela de diseño. Proveniente de una familia con poderes psíquicos, a partir de su interés y obsesión con la década 1960, Eloise establece una conexión paranormal con el pasado y hechos que se reflejaron en los titulares de la época.
Odile Dicks-Mireaux (Brooklyn, An Education) recrea la conexión entre la moda contemporánea y el estilo de los 60, gracias a la personificación de Sandy (Anya Taylor-Joy) a través de Eloise. Las referencias visuales y estéticas de estos dos periodos son distinguibles, caracterizando a las protagonistas. Para el pasado, el equipo de vestuario se inspiró en colores, cortes y texturas predominantes en las creaciones de diseñadores de la época como Paco Rabanne y Pierre Cardin. Para el periodo actual se demuestra la variedad de visiones, actitudes y estilos que viste la juventud de hoy.
Este filme destaca la idea de ‘feminidad’ aceptada en el pasado en medio de un ambiente agobiante y destructor, reflejada en la forma en que Sandy viste para complacer al resto. El vestido rojo corto con un lazo en la parte posterior permite esta interpretación. El vestido de la escena inicial, uno de los vestuarios más distinguibles del año, es un patrón cortado en láminas de periódico, inspirado en la colección de John Galliano para Dior en el invierno del 2000.
El poder del perro
Dir. Jane Campion
Diseño de vestuario: Kirsty Cameron
Los personajes a través de los cuales se desarrollan los hechos de El poder del perro sirven de vestimenta para adentrarnos en su carácter, personalidad y manera en que se presentan ante el resto, e incluso, lo que se esfuerzan por ocultar. Campion desarrolla una dirección exquisita, a partir de la novela de Thomas Savage, donde las particularidades de los protagonistas se exponen a través del diseño de vestuario de Kirsty Cameron (Mr. Corman, The Changeover).
En este filme, el vestuario es una extensión de acciones y personalidades. Phil (Benedict Cumberbatch) es arropado en cuero y textiles gruesos (como trabajador ganadero masculino y altanero). George (Jesse Plemons) se desenvuelve acorde a los estándares de buenos modales y respeto. Es un hombre de negocios, por lo que su aspecto es formal, elegante e impecable.
Rose (Kirsten Dunst) es la vida de la historia. Su presencia se basa en colores que vibran en pantalla, que brindan energía dependiendo de su estado anímico y que son contrastantes a todo lo que la rodea. Se pueden admirar el uso de texturas, cortes y tocados representativos de los años 20, destacando la chaqueta roja que utiliza al tocar el piano o el vestido dorado para la cena de presentación. Por último, Peter (KodiSmit-McPhee) es el personaje más característico: disciplinado, enfocado y consciente de sus responsabilidades, posee un estilo minimalista y determinado, limpio en su deseo de convertirse en cirujano.
Encanto
Dirs. Jared Bush, Byron Howard, Charise Castro Smith
Esta historia musical de Disney es una hermosa fantasía inspirada en la cultura colombiana. Encanto es la celebración de la identidad cultural, la diversidad étnica y las tradiciones. Es un esfuerzo por resaltar las bondades propias de una comunidad unida por el realismo mágico.
Neysa Bové (Moana, Frozen II) es la diseñadora atrás del concepto de vestuario en colaboración especial con la bordadora colombiana Mery Cavanzo. Ambas establecieron las bases de sus creaciones en el traje tradicional colombiano, caracterizado por faldas amplias y blusas de mangas cortas. Este traje típico se encuentra a lo largo de todo país con características y detalles particulares según la región. Se toman referencias especiales de la zona caribeña y norte-pacífica de Colombia, con una paleta de colores brillantes y cálidos y detalles de gran significado, como bordados con motivos folclóricos en prendas utilizadas comúnmente, como alpargatas, mochilas, sombreros, guayaberas y aretes.
Eternals
Dir. Chloé Zhao
Diseño de vestuario: Sammy Sheldon
En la historia sobre un grupo de seres inmortales y su intervención en el mundo desde un enfoque filosófico y de fantasía, Sammy Sheldon (The Imitation Game, Ex Machina) asigna elementos de la naturaleza que se transforman en temáticas propias para cada personaje. La diversidad de historias permitió crear looks diferentes para todos, aunque con pequeños elementos que los identifican como equipo y reivindican su origen común. La paleta de color de Eternals utiliza tonalidades delicadas y sutiles, contrarias a la imagen típica de superhéroes.
Chloé Zhao y Sheldon crearon una estética más artística, en la cual los trajes son la representación visual de la narración. La inspiración en la tonalidad proviene del cosmos, de investigaciones sobre la tonalidad de diferentes galaxias y estrellas, para agruparlos según dos características fundamentales: el grupo de pensadores y el grupo de combatientes. Los trajes, más que una protección, debían ser la segunda piel de los personajes. Durante el proceso de pre-producción se emplearon técnicas de realidad aumentada y efectos 3D en la creación de patrones, resultando más de 100 atuendos opcionales.
La casa Gucci
Dir. Ridley Scott
Diseño de vestuario: Janty Yates
Primera de dos entradas de la dupla Ridley Scott – JantyYates, en La casa Gucci se enfocan en un hecho contemporáneo y mediático, totalmente diferente a su otra propuesta (The Last Duel). Yates creó el diseño de vestuario tras meses de investigación de la historia e influencia de la moda italiana, el modo de vida de la alta sociedad y el acceso a archivos de Gucci y otras firmas que fueron indispensables para enaltecer los estilos de los personajes.
El vestuario es apoteósico. Cada uno de los 54 atuendos que viste Patrizia Reggiani (Lady Gaga) hasta convertirse en la Señora Gucci se muestra como un gran acontecimiento al demostrar sensualidad y una personalidad decidida a conseguir lo que se propone. Reggiani presume su posición y poder con vestidos, trajes, blusas, faldas, y abrigos de seda y piel (mayormente de firmas francesas como Yves Saint Laurent), combinados con costosas joyas de piedras preciosas. Maurizio Gucci (Adam Driver), por su parte, es la representación del caballero italiano con trajes sencillos, pero elegantes, de lino o telas frescas de estilo recatado a diferencia del resto de su familia. Paolo Gucci (Jared Leto) es la personificación de lo extravagante al grado de ser desagradable, lo diseñado en torno a él se exageró hasta el límite, lo cual complementa perfectamente las prótesis, el maquillaje y el peinado de Leto.
La crónica francesa
Dir. Wes Anderson
Diseño de vestuario: Milena Canonero
Descrita como “una maravilla visual”, La crónica francesa traslada al espectador hacia el acontecer francés de una sala de redacción donde se interconectan diferentes historias. La cinta es un recorrido estético y poético a través de las décadas de 1950-1970 en medido de movimientos sociales que impactaron a la sociedad europea. La multi-galardonada Milena Canonero (Marie Antoinette, A Clockwork Orange) presenta un trabajo creativo orgánico plasmando el estilo francés: clásico, elegante y moderno. Cada historia es presentada de acuerdo con una paleta de color característica y adecuada a las secuencias filmadas a color o en blanco y negro.
Los componentes visuales son parte fundamental de la narrativa, de los cuales destaca Tilda Swinton como una glamurosa mujer de la élite intelectual en un espectacular vestido naranja estampado con enormes joyas de oro. En el segmento ‘Revisiones de un manifiesto’ destaca el personaje de Juliette (Lyna Khoudri). Su estilo y apariencia retratan la imagen de la nueva generación usando prendas que habían sido percibidas exclusivamente de uso masculino. La moda no está separada de las transformaciones sociales, ya sean documentadas o de ficción, y las rupturas y cambios en los paradigmas estéticos se presentaron con la venta y masificación a través de la población joven de chaquetas de cuero, minifaldas, botas altas y muchas otras piezas que se transformaron en símbolos y consignas de rebeldía.
Más dura será la caída
Dir. Jeymes Samuel
Diseño de vestuario: Antoinette Messam
Centrada en la historia oculta de las representaciones en el viejo oeste, Mas dura será la caída reivindica la importancia de vaqueros afroamericanos y mujeres Negras durante las décadas de 1870 y 1890. Antoinette Messam (Orphan, Hold the Dark) diseñó un vestuario basado en el testimonio histórico de libros y artículos antiguos. Los trajes y siluetas fueron el punto inicial en la creación de los estilos llamativos y característicos de hombres y mujeres.
Tanto el director como la diseñadora reflejaron el encuentro cultural de la población Negra de diversos orígenes a través de elementos y colores propios de comunidades africanas, caribeñas, mexicanas y nativas americanas. El arsenal de botas, sombreros de vaquero y otros accesorios son las joyas en esta producción, hechos a la medida y con materiales similares a los de la época. Cada personaje tiene un tocado ideal que destaca su apariencia y personalidad, de estos destaca Trudy Smith (Regina King), quien posee una colección de pendientes de inspiración africana y pequeños detalles de confección con finas telas como encaje que destacan por su feminidad y delicadeza.
Nightmare Alley
Dir. Guillermo del Toro
Diseño de vestuario: Luis Sequeira
Nightmare Alley se desarrolla en torno a hechos delictivos con una ambientación expresiva y una estética visual característica de su director, donde la magia y el misterio siempre están presentes. Esta película representa la segunda colaboración entre Guillermo del Toro y el diseñador canadiense Luis Sequeira (TheShape of Water, It: ChapterTwo). El vestuario retrata la decadencia en el mundo del carnaval y la distinguida alta sociedad de Chicago durante 1940 a través de siluetas, texturas y estampados al estilo noir.
Passing
Dir. Rebecca Hall
Diseño de vestuario: Marci Rodgers
En Passing, Marci Rodgers (BlacKkKlansman, Lost Girls) recrea una estética realista de las décadas de1920 y 1930, alrededor de dos mujeres que se encuentran unidas por sus diferentes modos de interpretar la vida en una sociedad profundamente segregacionista y opresiva que apenas comenzaba a darle espacio a la participación femenina. Irene (Tessa Thompson) y Clare (Ruth Negga) son las dos caras de una misma moneda: con actitudes, pensamientos, acciones y recursos que conducen sus vidas por caminos diferentes, pero siempre comparables entre sí.
Las transformaciones sociales y culturales se manifiestan en la cotidianidad, la cual repercute en los modos de vida e intimidad de los miembros de esa sociedad. Tanto el vestido como el calzado indican el estado de bienestar y las condiciones de vida de las diferentes clases sociales. En Passing, el vestuario refleja la evolución económica y estética luego de años de guerra y confrontación; pero, aún más importante, expone la ambición y necesidad de ser “alguien”, de pertenecer a un grupo o categoría social. A través de la apariencia se expresan emociones, sentimientos y necesidades que cubren moralmente y físicamente al verdadero ser.
Respect
Dir. Liesl Tommy
Diseño de vestuario: Clint Ramos
Clint Ramos (Lingua Franca, Bleach), ganador del Tony, diseñó el vestuario de Respect en función de las etapas de la vida de Aretha Franklin (Jennifer Hudson). Al comenzar el rodaje de la película, el vestuario comprendía más de 80 trajes en diseños originales y en réplicas de momentos memorables. Franklin siempre fue su propia inspiración de estilo. La consolidación de su influencia permitió comunicar a la industria de la moda la necesidad de crear patrones y prendas de calidad adecuadas para otros tipos de cuerpos, y de incluir medidas corporales diversas.
La libertad creativa de Ramos resultó en el uso de colores de toda gama: brillantes, opacos, cálidos, fríos e incluso algunos que realmente no se utilizaron en vida real. El vestido metálico dorado se convirtió en referente de Respect. Originalmente ese tipo de prendas se compraban en tiendas departamentales, por lo que consultar catálogos, archivos y fotografías de esa época permitió crear el diseño ideal para Hudson.
Shang-Chi y la leyenda de los 10 anillos
Dir. Destin Daniel Cretton
Diseño de vestuario: Kym Barrett
Referencias provenientes de artes marciales, el kung-fu y, por supuesto, la cultura asiática fueron cruciales en la conceptualización visual de los personajes de Shang-Chi y la leyenda de los 10 anillos. La diseñadora de vestuario Kym Barrett (Cloud Atlas, The Matrix) interpreta la historia china en cuanto a vestuario se refiere para incorporar particularidades de cada dinastía en el estilo de los personajes.
Los colores, estampados, motivos geométricos y ornamentos están asociados a virtudes y elementos naturales referentes en la cultura china y la representación del poder, el bien y el mal. Las interpretaciones y significado de las tonalidades están relacionados con las costumbres y tradiciones antiguas. Es así como el rojo predomina en la vestimenta de Shang Chi (Simu Liu) como símbolo de fuerza, honor y valentía. El negro representa el conocimiento, poder y protección.
Spencer
Dir. Pablo Larraín
Diseño de vestuario: Jacqueline Durran
Las dos veces ganadora del Óscar, Jaqueline Durran (Anna Karenina, Little Women), recrea fielmente los estilos más memorables de la Princesa de Gales (Kristen Stewart), junto a la colaboración creativa de la casa francesa Chanel, de quien Stewart es embajadora desde 2013. El guardarropa de Diana se presenta tal y como es conocido: moderno, casual, elegante, específico a cada contexto y reflejando vulnerabilidad.
A medida que nos adentramos en el mundo construido en Spencer, se observan piezas vintage diseñadas por Karl Lagerfeld durante los años 80 y 90, incluyendo el abrigo rojo que luce en la misa de Navidad, perteneciente a la colección otoño-invierno de 1988. El vestido de organza blanca y bordados dorados, el look más icónico de la película, fue recreado desde el archivo nupcial de la firma a partir de las técnicas de confección de alta costura (aproximadamente 1,000 horas de trabajo). El lujo que Chanel representa es parte de la fantasía real que se descubre a lo largo de la historia.
The Green Knight
Dir. David Lowery
Diseño de vestuario: Malgosia Turzanska
Lírica y bella, David Lowery conduce la adaptación del poema romántico del siglo XIV en dónde Sir Gawain (Dev Patel) emprende un recorrido en busca de su destino, enfrentando innumerables encuentros que lo conducen hacia él. Malgosia Turzanska (Ain’t Them Body Saints, Stranger Things) presenta diseños de fantasía, caballeros de armadura, el lujo de la corte real, y brujas y personajes representados desde el imaginario fantástico.
Su inspiración no fue únicamente la época y la historia del momento, sino también la línea narrativa en torno a las ideas filosóficas y poéticas (como el honor y la vulnerabilidad del ser humano) del filme. Atuendos como el vestido azul esmeralda de líneas rectas de The Lady (Alicia Vikander) durante su escena introductoria enmarcan una imagen indudablemente majestuosa con líneas rectas y énfasis en la cintura y la zona del escote. Sir Gawain utiliza piezas más llamativas y adaptables por su simbolismo, incluyendo el manto amarillo ocre que lo cubre durante su odisea y su traje de coronación, hecho con una confección meticulosa de capas metálicas superpuestas. La corona, inspirada en halos de pinturas medievales, enriquece técnicamente la composición visual de la película.
Un aspecto particular en la conceptualización y elaboración de las prendas de The Green Knight fueron las aspiraciones veganas del director, quien requirió encontrar sustitutos libres de crueldad y compuestos animales. El proceso de investigación abarcó opciones vegetales, incluyendo restos de frutas y cortezas de árboles para encontrar las texturas ideales.
The Last Duel
Dir. Ridley Scott
Diseño de vestuario: Janty Yates
Ambientada en el siglo XIV, en torno a la historia de una mujer (Jodie Comer) que es víctima de abuso sexual y los diferentes puntos de vista sobre este hecho, The Last Duel es una historia cruel y dramática sobre la verdad y la mentira, el bien y el mal. Al tratarse de un periodo histórico, la película supone un despliegue extenso en cuanto a investigación se refiere. La diseñadora Janty Yates (Gladiator, The Martian, House of Gucci) destaca simpleza y comodidad en los trajes, armaduras y espadas.
The Matrix Resurrections
Dir. Lana Wachowski
Diseño de vestuario: Lindsay Pugh
Matrix es sinónimo de estilo e influencia en la forma de vestir. En esta nueva entrega, la diseñadora Lindsay Pugh (Cold Mountain, Closer) homenajea las referencias visuales establecidas en las películas anteriores. Es así que el lenguaje, el estilo zen y ciertos elementos son reinterpretados para todos los personajes, especialmente los nuevos integrantes.
Las siluetas y materiales para la elaboración de los atuendos mantienen la estética oscura, misteriosa y futurista; sin embargo, los diseños también reflejan la evolución que la industria de la moda ha tenido en los últimos años. Los accesorios siguen siendo esenciales en el desenvolvimiento de los protagonistas, especialmente las gafas, las cuales se diseñaron especialmente para todos los personajes. Además de hacerlas atractivas, Pugh se enfocó en que las piezas de vestir fueran fáciles de utilizar durante las acrobacias y las escenas de acción.
West Side Story
Dir. Steven Spielberg
Diseño de vestuario: Paul Tazewell
Paul Tazewell (Hamilton, Harriet), ganador del Tony, complementó la visión de Steven Spielberg al enfocarse en resaltar la autenticidad de los personajes, las aspiraciones juveniles y las ansias de concretar el ‘sueño americano’. West Side Story se ocupa de plasmar referencias pertenecientes a la cultura puertorriqueña junto a la forma de vestir de 1950 en Nueva York, Estados Unidos.
Las prendas se confeccionaron a partir de la doble necesidad de movimiento y de ser una extensión del cuerpo para trasmitir energía y alegría a través de las coreografías. De estas destaca “América”, número musical liderado por Anita (Ariana DeBose). Para Tazewell en esta escena se debían presentar simbólicamente los colores vibrantes, por lo que el vestido acampanado amarillo canario y de fondo rojo funcionó como la máxima expresión de optimismo y representación de emociones a través de la música y los movimientos rítmicos.
Andhrea es una joven venezolana, estudiante de psicología e ilustradora de moda. Su amor por el cine comenzó desde muy pequeña gracias a su papá, con quien cada noche comparte una película diferente. El mago de Oz (1939) y la trilogía de Regreso al futuro marcaron su infancia. Los aspectos psicológicos le son fascinantes, más allá de los diálogos entre personajes, por eso ama aprender sobre dirección de fotografía y vestuario. Sus películas favoritas son El curioso caso de Benjamin Button (2008), El aviador (2004), La odisea (1997) y Anna Karenina (2012).