Los 50 mejores momentos cinematográficos de 2021

Escrito el 12 enero, 2022 @alessandra_kr

Recuerdos de la abuela // Encanto (Dirs. Byron Howard, Jared Bush)

Al centro de Encanto, la más reciente película de Disney Pixar, existe un tributo a la lucha de sobrevivencia de las personas desplazadas que parten de sus hogares en busca de un lugar seguro. A lo largo de la película, la abuela Alma (María Cecilia Botero) se presenta como una figura de autoridad obstinada que hace hasta lo imposible por mantener los poderes que han hecho tan especial a la familia Madrigal. No obstante, justo en el momento en que todo se desmorona cuando su nieta sin poderes Mirabel (Olga Lucía Vives) intenta arreglar los problemas emocionales de la familia, es que por fin aprendemos y comprendemos el pasado doloroso de la abuela.

Tal y como se hizo en los primeros minutos de Up (Peter Docter, 2009), en solo un par de minutos se presenta una historia de amor épica y trágica. Al son de la canción original de Dos oruguitas cantada por Sebastián Yatra, volvemos al pasado para ver cómo es que los jóvenes Alma y Pedro se conocen. Después de un meet-cute durante un evento en su pueblo, se casan e inician una familia. No obstante, un conflicto armado los obliga a huir. En el camino, Pedro se sacrifica para que su familia y el resto de las personas desplazadas puedan huir, resultando en que Alma quede sola con tres bebés recién nacidos. El dolor de Alma crea el refugio paradisiaco de esta comunidad. Desolador, empático y reflejando la vida de millones alrededor del mundo que huyen de casa (con énfasis especial en los colombianos que sufrieron las consecuencias del conflicto armado interno), con esta escena Encanto se convirtió en algo más que una película vibrante de Pixar. – Alessandra Rangel

 

En el bar // Flee (Dir. Jonas Poher Rasmussen)

Flee, el documental danés animado, habla sobre la experiencia de migrar hacia un país debido a la guerra y, a partir de ahí, encontrar tu lugar en el mundo. No obstante, Flee también representa el proceso de aceptación de uno mismo, representado claramente en la que escena en la que el hermano de Amin, el protagonista, le expresa que lo va a llevar a un lugar después de reencontrarse.

En la entrada del lugar solo aparecen luces neón y un nombre genérico. Afuera, su hermano le da dinero, lo invita a ingresar y se despide de él, confesándole que siempre ha sabido de él y sus preferencias, mientras le da un abrazo. Cuando Amin entra temerosamente, se da cuenta de qué lugar es, sintiendo el amor y la aceptación por parte de su familia, en especial su hermano mayor. – Israel Acosta

 

Encuentro cinematográfico // Fue la mano de Dios (Dir. Paolo Sorrentino)

Paolo Sorrentino ha mencionado en entrevistas que, al regresar a su casa de un partido de fútbol en el que vio a Maradona jugar, encontró que sus padres habían fallecido por intoxicación de monóxido de carbono. El hecho de que el ídolo argentino jugara futbol en su ciudad natal de Nápoles le salvó su vida del duelo. En Fue la mano de Dios, Sorrentino retrata estos sucesos, así como el descubrimiento de su amor al cine, hecho que crea un giro en su vida tal el fatal accidente de sus padres.

En una escena, el protagonista se sincera con un director de cine local, en donde expresa sus dudas y aspiraciones, las cuales confirman su verdadera vocación. En la conversación, desarrollada en un edificio antiguo junto al Mediterráneo, el director le expresa que deber olvidar, y que crear cine es diversión. Las lecciones de vida aquí expresadas permiten comprender cuál es la visión de Sorrentino sobre el cine y la vida misma. – Israel Acosta

 

Paciencia y fe // In the Heights (Dir. Jon M. Chu)

En 2021 muchas películas se ocuparon de abordar el tema de la migración desde diferentes perspectivas. In the Heights, ocupada en su espectáculo, dedicó un momento a la perspectiva de una mujer que se dedicó a cuidar de su comunidad después de una vida de trabajo como inmigrante. Lo que no sabíamos era la humillación que tuvo que soportar para sobrevivir y compartir su experiencia con otras personas que buscaban crear un hogar en Estados Unidos.

“Paciencia y Fe” es un momento definitivo para el género musical. Una vida de dificultades que, de alguna forma, termina valiendo la pena. Cabe destacar la presencia demoledora de Olga Merediz como la Abuela Claudia. – Carlos Yaya

 

Nacimiento del híbrido // Lamb (Dir. Valdimar Jóhannsson)

La ópera prima de Valdimar Jóhannsson recrea la historia de Maria (Noomi Rapace) e Ingvar (Hilmir Snær Guðnason), una pareja de granjeros en una región remota de Islandia que no ha podido tener hijos. La pareja realiza sus actividades del día a día, siendo una de ellas la supervisión y cuidado de nuevas crías de sus ovejas. Un día, una entidad misteriosa aparece de manera fugaz en su granja.

Johánnsson remarca una creciente tensión trazada a través de una atmósfera en la que domina el balido de los corderos. En el curso del parto de uno de los animales, el encuadre capta la sorpresa de Maria e Ingvar al mirar a una de las crías, tratándose de una acción narrativa que está acentuada por el sonido de un abrupto roce con el suelo del cuerpo del cordero recién nacido. Se trata de un momento crucial que detona el curso de acontecimientos del relato, un terror folk y sobrenatural que termina por acentuar los roles y los lazos de maternidad y paternidad en medio de la crueldad y el egoísmo. – Mariana Fernández

 

 

Revelación de identidad // Luca (Dir. Enrico Casarosa)

El punto más alto de la cinta dirigida por Enrico Casarosa encapsula la riqueza temática y emocional de Luca. Identidad, autodescubrimiento y comunidad son temas en los que la cinta de Pixar navega a través de la relación entre Luca (Jacob Tremblay) y Alberto (Jack Dylan Grazer), monstruos marinos haciéndose pasar por seres humanos para encajar en el statu quo.  La escena en cuestión pertenece al clímax de la película, en el que la identidad de Alberto es revelada en un intento por ayudar a un Luca que le había dado la espalda con el fin de continuar encajando en la civilización humana.

A fin de salvar a Alberto, Luca revela a los demás que él también es un monstruo marino, reforzando la manera en que la película retrata la construcción de comunidad a través de la correspondiente a la identidad. Las acciones de Luca y Alberto terminan por alentar a otros miembros del pueblo a revelarse como monstruos marinos que aparentemente llevaban años haciéndose pasar por seres humanos a fin de ser aceptados. La trama, así como sus efectos temáticos y emotivos, ha adquirido un carácter alegórico digno de grandes exponentes artísticos en el que, como Luca y Alberto, espectadores alrededor del mundo se han visto obligados a suprimir su identidad a fin de encajar en una realidad renuente a la diversidad y lo desconocido. Esta escena es una de las más memorables del año no sólo por su capacidad para embotellar las inquietudes temáticas de la historia, sino también por su universalidad y alcance simbólico. – Alejandro Ramírez

 

Gabriel en la comisaría // Malignant (Dir. James Wan)  

Uno podría escoger al menos seis momentos de la hilarante, operática, ridícula y experta cinta de James Wan para destacar en un listado como este: el primer asesinato de Gabriel en que Wan hace desaparecer las paredes, el segundo asesinato, cuyos colores rojizos y voyeurismo nos remiten a la obra de Dario Argento, la persecución en el Seattle subterráneo, la sesión de hipnosis que culmina con la súbita aparición de una víctima o bien la carnicería en la celda del condado. Cuestión de gustos, supongo, que la espectacular y absurda matanza que el villano lleva a cabo en la comisaría se lleve las palmas.

Después de revelarse que Madison ­(Annabelle Wallis) – cuyo nombre verdadero es Emily – y Gabriel comparten un cuerpo, y tras la masacre en la celda del condado, este debe luchar contra lo que parece todo el departamento de policía de la ciudad de Seattle. Es aquí donde Wan se revela como uno de los directores más llamativos en cuanto a secuencias de acción, recuperando el atletismo acrobático de la saga de Matrix (1999-2021) con la invencibilidad inverosímil de Terminator (1984). Es el corolario perfecto para una película que homenajea el mal gusto de las cintas de terror de serie B, al mismo tiempo que demuestra la facilidad de su director para pasar del thriller cursi con planos imposibles a lo Brian De Palma a uno de acción brutal e inmisericorde. – J. Alejandro Becerra

 

“Song of Myself” de Walt Whitman // Nine Days (Dir. Edson Oda)

En Nine Days, Winston Duke interpreta a Will, una especie de árbitro del Más Allá que debe escoger a un alma que tome el lugar de una joven que se suicidó en la Tierra y que él supervisaba. Después de un arduo proceso de nueve días, Will escoge a Kane (Bill Skarsgård), un alma pragmática y realista que se enfoca en lo malo del mundo y que tiene la intención de vivir para hacer algo al respecto. La segunda opción, Emma (Zazie Beetz), es un espíritu libre, optimista e inocente que más bien se enfoca en lo bueno de las cosas. Destinada a desaparecer ahora que no fue la seleccionada para nacer, Emma decide no aceptar la tradición de Will de experimentar una vivencia humana antes de dejar de existir.

Cuando ella se encamina hacia el horizonte para desaparecer, Will la alcanza. Ahora ella más bien le permitirá a él revivir una experiencia humana. Así es como inicia una recitación magnética y electrificante de Song of Myself de Walt Whitman, a cargo de Will. Apasionado, metido por completo en su interpretación y por fin experimentando todo lo que estuvo reprimiendo en su existencia. Acompañado de una banda sonora inspirada a cargo de Antonio Pinto y un involucramiento extasiado de Emma, estos minutos son igualmente trascendentales como emotivos. – Alessandra Rangel

 

Paloma en Cuba // No Time to Die (Dir. Cary Joji Fukunaga)

Ana de Armas, la actriz cubana que ha fascinado a las audiencias desde su aparición en Blade Runner 2049 (2017), no solo por su carisma y belleza, también por su amplio abanico expresivo, es la ganadora del Premio a Mejor Participación Breve Que no es un Cameo en un Blockbuster de 2021 – el segundo lugar iría para Saoirse Ronan en La Crónica Francesa – entregado por este humilde escritor.

Tan encantadora como letal, su personaje de Paloma lleva a Bond a través de los pasillos de un hotel donde se reúnen los miembros de la siniestra organización Spectre. Cuando el plan de Safin (Rami Malek) desata el caos, Paloma demuestra ser la aliada perfecta, blandiendo dobles armas y repartiendo golpes y patadas en todas direcciones. Limitada a cerca de unos quince minutos en una película de más de ciento veinte, la fugaz aparición de Armas es una bocanada de aire fresco en una cinta que por momentos cae en baches de lentitud. Algunas personas comentaron que ella debió tener mayor presencia, pero en mi opinión, se trata de un papel perfecto para la actriz cubana, pues su breve actuación causó un mayor impacto en mi memoria que la de la pobre Léa Seydoux, confinada a pucheros interminables. – J. Alejandro Becerra

 

Todo el tiempo del mundo // No Time to Die (Dir. Cary Joji Fukunaga)

Después del clímax de No Time to Die, James Bond (Daniel Craig) contacta a Madeleine (Léa Seydoux), el amor de su vida. Mientras Madeleine piensa que esta es una señal de que se volverán a encontrar, para Bond es una despedida. Bond carga Heracles, el virus mortal que terminaría con la vida de Madeleine y Mathilde (Lisa-Dorah Sonnet), la hija de ambos. Por eso, Bond decide quedarse en la isla y morir ante los misiles que destruirán esta amenaza.

Durante la plática telefónica entre Bond y Madeleine, Craig nos recuerda la humanidad que su versión del personaje tiene. La película presenta la pregunta de ‘¿Por qué se necesita a James Bond?’ durante sus dos horas de duración y, es en este momento, cuando Bond decide sacrificarse para salvar al mundo y a la gente que más quiere, la historia da su respuesta: James Bond se atreve a poner su vida en juego por el bienestar de los demás. Por eso, cuando Bond le dice a Madeleine que ella y Mathilde tienen “todo el tiempo del mundo”, vemos a un personaje que, más allá que destrozado por su sacrificio, sonríe al saber que las personas que más quiere en este mundo seguirán vivas, a pesar de que él no lo estará. Ante su muerte inminente, sonríe. – Carlos Ruiz

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