Las películas más esperadas del BIFF 2025
“¿Cómo asentarse en una rutina sin que la vida se vuelva monótona?”?”es la pregunta que me acecha conforme inicia una nueva edición del Bogotá International Film Festival (BIFF), que se realizará del 9 al 15 de octubre, con sede principal en la Cinemateca de Bogotá y escenarios alternos como teatros, parques y centros culturales.
Llevo cinco años asistiendo al festival y cuatro cubriéndolo para Palomita de maíz, intentando cada año cubrir la mayor cantidad de películas, a través de reseñas y artículos especiales como este. Si se mira en retrospectiva, este ejercicio ya se ha vuelto costumbre a pesar de ser reciente. No me canso de hacerlo, pero me pregunto qué debo hacer para no caer en una fórmula con la que insisto en suprimir la subjetividad para incluir la mayor cantidad de datos sobre la programación y los eventos. Esta interrogante se expande al cómo evitar que la aproximación al espacio de festival, que propicia y promueve debates sobre el cine y sus modelos de distribución, se limite a una estructura fija en su cubrimiento.
Así que este año, desde Palomita de Maíz gestionamos una reunión de críticos y cinéfilos con el objetivo de registrar y compartir las conversaciones que surjan en torno a las películas y la programación del festival. En alianza con Oiga, vea! Podcast, presentaremos una serie especial en la que cada episodio contará con la participación de un elenco rotativo de apasionados del cine para intercambiar opiniones y, con ello, explorar las posibilidades de la crítica en otros formatos.
Aun así, soy un tradicionalista y defiendo que la crítica de cine es, en esencia, un ejercicio de escritura, por lo que no van a faltar las reseñas de aquellas películas que despiertan la euforia por la genialidad de sus propuestas o la frustración ante sus carencias. Cada texto es una posibilidad de explorar y tal vez transformar la relación de quien escribe con el cine y la crítica.
Sin más preámbulo, comparto mi listado de las películas que más anticipación causan en esta edición del festival y que, finalmente, son las que permiten que el cubrimiento de un festival de cine sea una costumbre que no recae en la monotonía.
Alpha (Dir. Julia Ducournau)
Sección: Masters
Alpha (Mélissa Boros) es una niña de 13 años que vive con su madre soltera (Golshifteh Farahani). En su entorno hay pánico ante una nueva enfermedad de transmisión sanguínea, que ya ha tocado a la familia y provocado tensión en su hogar. Cuando Alpha regresa un día de la escuela con un tatuaje, el miedo se apodera de su madre ante la posibilidad de que se haya contagiado.
Julia Ducournau se consolidó con sus dos películas previas como una de las cineastas más llamativas de la actualidad. Su interés es el horror corporal como forma para explorar el deseo (Raw, 2016) y la identidad (Titane, 2021), dejando algunas de las imágenes y secuencias más discutidas en sus respectivos años de estreno. Su tercer largometraje, que llega cuatro años después de ganar la Palma de oro en el Festival de Cannes, continúa esta línea en lo que claramente es una metáfora del sida – propicio para recomendar el ensayo de Susan Sontag – y que ha tenido una respuesta dividida entre previos admiradores de su trabajo.
Coexistence, My Ass! (Dir. Amber Fares)
Sección: Fantasmas del pasado
Cinta ganadora del premio Golden Alexander al mejor documental en la edición más reciente de TIFF y de una mención especial del jurado en el Festival de Sundance 2025. Noam Shuster-Eliassi es una activista y comediante israelí, que creció en Neve Shalom, una comunidad construida como ejemplo de coexistencia entre israelíes y palestinos. Trabajó desde el lado diplomático como co-directora de una agencia de las Naciones Unidas para aportar a la construcción de la paz y luego pasó al stand-up como forma de activismo político. De cara al genocido y crisis humanitaria en Gaza, Coexistence, My Ass! aborda desde su perspectiva la disidencia política en Israel, preguntando cómo abordar desde el humor un escenario tan complejo e inhumano.
No es coincidencia que, en los dos años desde que empezó el genocido en Gaza, se ha dado más visibilidad a las películas que abordan el conflicto y la ocupación del territorio palestino. Muchas de ellas ya se encontraban en desarrollo, como la ganadora del Oscar No Other Land (2024), y el contexto propició su estreno y distribución mundial. Con el trasfondo donde la producción de imágenes y narrativas de la guerra satura hasta el agotamiento y la desensibilización, es relevante la aproximación del cine desde otras formas que observan la dimensión histórica de una situación que, como dice Shalom en una de sus presentaciones, lleva más de 70 años ocurriendo, pero tan solo ante la sevicia y crueldad exacerbada empezó, al parecer, a tener importancia para el resto del mundo.
Estrany riu (Dir. Jaume Claret Muxart)
Sección: Espíritu joven
Dídac (Jan Monter) es un joven de 16 años que pasa el verano con su familia haciendo un viaje en bicicleta por el Danubio. El encuentro inesperado con otro chico despierta nuevos sentimientos, pero a la vez altera la dinámica idílica familiar.
El primer largometraje del catalán Jaume Claret Muxart, que fue bien recibido en Venecia y San Sebastián, surge de su experiencia familiar – tema recurrente en el cine catalan reciente – y la curiosidad por el cine como medio ideal para abordar la experiencia temporal y de transformación de la adolescencia. Su aproximación al despertar del deseo romántico y sexual destaca al verlo más allá del sujeto y el conflicto social por la orientación sexual, expandiéndose a la cuestión de cómo la familia es parte de ese proceso entre la confidencia con los padres y la curiosidad de un hermano que aún disfruta de la inocencia de la infancia.
My Father’s Shadow (Dir. Akinola Davies Jr.)
Sección: Espíritu joven
Primera película nigeriana en participar en la selección oficial de Cannes, en la sección de Un Certain Regard, y ganadora de una mención especial de la Cámara de Oro. En 1993, Nigeria sostuvo sus primeras elecciones presidenciales desde 1983, cuando terminó la segunda república tras un golpe de estado. No obstante, el ambiente político dividido y la falta de garantías llevaron a una crisis electoral y estallido social que terminó por dejar el poder nuevamente en manos de los militares. En este contexto se ubica la ópera prima de Akinola Davies Jr., coescrita con su hermano Wale, en la que dos niños se reúnen con su padre distanciado para pasar un día juntos en Lagos, el día de las elecciones.
La película de los hermanos Davies ha sido elogiada por su capacidad para entrelazar la autoficción con una aproximación crítica de la historia nacional. Estos asuntos se exploran desde la mirada inftantil de dos niños que quieren conocer quién es su padre, pero para ello deben expandir la mirada hacia un entorno que solo pueden entender en retrospectiva.
Fiume o morte! (Dir. Igor Bezinović)
Sección: Fantasmas del pasado
Ganadora del Tiger Award en la edición 54 del Festival internacional de cine de Rotterdam. En 1919, la ciudad de Fiume, actualmente Rijeka, en Croacia, fue ocupada por el poeta, dandy y predicador de guerra italiano Gabriele D‘Annunzio, quien la autoproclamó como el estado de Regencia italiana de Carnaro. Más de un siglo después, los habitantes de la ciudad relatan y recrean las imágenes de la ocupación, un acto desafiante y divertido que explora su devenir histórico en la actualidad y el futuro.
Habría que vivir en completa desconexión, o ignorancia deliberada, para no notar la pertinencia de relatos sobre el ascenso y establecimiento de regímenes autoritarios en el mundo. La película de Bezinović llega en un momento oportuno y no solo por su trabajo de revisión histórica, sino también por emplear el humor como una forma de desafío a los discursos institucionales. Un recordatorio de que la censura y el miedo es temporal, pero el cine es resistencia y es para siempre.
It Was Just an Accident (Dir. Jafar Panahi)
Sección: Masters
Ganadora de la Palma de Oro de la pasada edición del Festival de Cannes. Un hombre de apodo Eghbal (Ebrahim Azizi) atropella a un perro en la carretera, por lo que tiene que parar en un garaje. Ahí se cruza con Vahid (Vahid Mobasseri), un exprisionero político del régimen irani, quien cree reconocer el sonido de la pierna artificial de Eghbal como la del hombre que lo torturó en prisión, al cual nunca vio el rostro. Tras el encuentro y motivado por el deseo de venganza, Vahid congrega a otros sobrevivientes y les plantea la posibilidad de hacer justicia por mano propia al matar a su torturador, pero con un dilema de por medio: no están seguros de que ese sea el hombre que están buscando.
Panahi, aprendiz de Kiarostami, es un nombre clave del cine iraní. Junto con cineastas como Mohammad Rasoulof, Marjane Satrapi y Sepideh Farsi, ha construido una de las filmografías nacionales más interesantes de los últimos años, especialmente por su capacidad de producción en medio de un régimen totalitario que obstaculiza y criminaliza su trabajo. Panahi ha sido perseguido y apresado por el régimen por más de 15 años, por lo que sus últimas películas se han filmado en secreto, pero sin perder el impulso o la calidad que lo caracterizan. Con la Palma de oro se consagró como el cuarto director en ganar los premios mayores de los grandes festivales europeos (Berlín, Cannes y Venecia) y el único ganador de la Cámara de Oro (El globo blanco, 1995) en conquistar posteriormente la Palma. Un gigante del cine que, para nuestra dicha y fortuna, ningún gobierno lo ha podido parar.
Llueve sobre Babel (Dir. Gala del Sol)
Sección: Colombia viva
En Cali, la ciudad de Colombia donde se dice que el diablo baila al son que le toquen, hay un bar donde conviven los vivos y los muertos. En este purgatorio rumbero un empleado de la muerte está por terminar su contrato, un fantasma busca regresar a su cuerpo, un joven se preparara para su debut en los escenarios del drag y un viajero quiere resolver una apuesta con La Flaca, la muerte personificada, para salvar a su hija. Una odisea dantesca entre la salsa y las luces de neón del bar de Babel.
La cineasta colombo-española Gala Del Sol debuta con este relato fantástico y tropical, que llama la atención por su aproximación a lo clásico, como el Inferno de Dante, desde lo vanguardista y queer. En palabras de J. Alejandro Becerra “es un mundo a la vez anticuado como posmoderno, de una realidad alterna, pero capaz de hablar sobre la nuestra. La película de Gala del Sol reafirma el poder del cine para erigir universos propios y para contener historias coloridas que poco o nada tienen que ver con la vida real, pero que son capaces de conectarse con nuestra propia humanidad.”
Magallanes (Dir. Lav Diaz)
Sección: Masters
A inicios siglo XVI la corona española, la cual ya tenía en curso el establecimiento de sus colonias en el territorio americano por medio de la masacre de sus pobladores, patrocinó a un joven Fernando de Magallanes (Gael García Bernal) en su expedición de rutas marítimas para el comercio con los territorios de Oriente. En un viaje extenuante, la tensión entre la tripulación despierta el carácter autoritario y violento de Magallanes, quien al llegar a las costas de Malasia cambia su objetivo por el de la conquista y control a como dé lugar.
Lav Díaz es de los casos contemporáneos más interesantes sobre el paso de la crítica a la realización. El cineasta fiipino se ha establecido como referente del slow cinema y abanderado de la larga duración, por lo que con 160 minutos Magallanes es una de sus películas más cortas. El filme representa la primera parte en una trilogía que aborda el proceso de colonización en el sudeste asiatico, marcado por la sevicia del hombre occidental. Una película que además de destacar por su ambición, cuenta con la particularidad de presentar en el lado de la realización, en esta ocasión como actor, a otro referente de la crítica: el argentino Roger Koza. La muestra de que lo que la crítica une el salto a la dirección no lo separa.
O Agente Secreto (Dir. Kleber Mendonça Filho)
Sección: Masters
Ganadora del premio a mejor actor y dirección de la competencia oficial en Cannes 2025 y premio FIPRESCI a mejor película. En 1977, durante los últimos años de la dictadura militar, un experto en tecnología (Wagner Moura) regresa a su ciudad natal en busca de ayuda al convertirse en un objetivo del gobierno. Junto con otros refugiados políticos, adopta una nueva identidad mientras en las calles surge el movimiento social que llevaría al fin de la dictadura en 1985.
Afirmar que “el cine brasileño está pasando por uno de sus mejores momentos” puede parecer exagerado cuando hablamos de uno tan extenso y complejo como el del gigante sudamericano. Aun así, es notable la prominencia que ha adquirido en el último año en el panorama internacional tras el recorrido por festivales y premiaciones de Aún estoy aquí (2024) de Walter Salles. El año empezó con el Oso de plata en la Berlinale para O último azul de Gabriel Mascaro y la expectativa por lo nuevo de Kleber Mendonça, un favorito de Cannes, que trae de vuelta al cine nacional a una de sus estrellas internacionales más reconocidas: Wagner Moura. El resultado no ha decepcionado y Mendonça ha reconocido su interés por la carrera al Óscar tras posicionarse como la apuesta latinoamericana para la temporada de premios en Hollywood.
Resurrection (Dir. Bi Gan)
Sección: Miradas expandidas
En un mundo donde los humanos han perdido la capacidad de soñar, Miss Shu (Shu Qi) descubre a una criatura inhumana (Jackson Yee) que aún puede experimentar los sueños. Al entrar en estos, Shu utiliza su capacidad para percibir ilusiones para determinar la verdad entre visiones de la historia de China y del cine.
Cuando Long Day’s Journey into Night (2018) estrenó en Cannes se convirtió en un fenómeno cinéfilo por su plano secuencia final de 59 minutos, en 3D, en el que Gan plasmaba su visión del sueño a partir del ejercicio cinematográfico más complejo que existe. Esta aproximación demuestra su interés por explorar y expandir las formas cinematográficas, que en Resurrection se vuelven centrales, según los críticos que la han visto, al condensar la historia del cine en un relato épico y fantástico. Una propuesta que recuerda esa frase común, pero acertada, sobre el cine como la posibilidad de soñar con los ojos abiertos.
Romería (Dir. Carla Simón)
Sección: Retrospectiva María Zamora
Mariana (Llúcia García) es una joven de 18 años, huérfana a temprana edad, que no ha tenido contacto con su familia paterna, quienes se distanciaron por la vergüenza que les produce que uno de sus miembros haya fallecido por el sida tras un problema con el abuso de sustancias. Sin embargo, necesita que sus abuelos firmen un documento para acceder a una beca y estudiar cine, por lo que debe acercarse a ellos. En el camino aprende sobre la juventud y el romance de sus padres, de los cuales sólo tiene vagos recuerdos.
El cine de Carla Simón es sincero y conmovedor porque parte de la vulnerabilidad que surge al explorar su historia de vida. Su primer largometraje Verano 1993 (2017) -que forma parte de la selección de la retrospectiva de la productora María Zamora – retrata su infancia tras la muerte de sus padres, con la adaptación a un nuevo entorno bajo el cuidado de su familia materna. En 2022 ganó el Oso de oro de la Berlinale con Alcarràs, la cual aborda las dinámicas de las familias en el campo catalan que enfrentan la gentrificación. Con Romería, la crítica ha propuesto que da cierre a una trilogía unida por su aproximación a la familia como eje central, adentrándose en el fantástico para crear imágenes sobre la vitalidad de una generación perdida.
Urchin (Dir. Harris Dickinson)
Sección: Fantasmas del pasado
Ganadora del premio a la interpretación masculina y el premio FIPRESCI de la competencia Un Certain Regard en el pasado Festival de Cannes. Mike (Frank Dillane) es un joven que vive en las calles de Londres, atrapado en un ciclo de autodestrucción por el consumo de drogas y el desenfreno. Tras un incidente que lo lleva a prisión, intenta recuperar el control y rumbo de su vida en contracorriente a los patrones y estigmas de un medio social que parece indiferente, pero al cual se resiste por medio de la solidaridad y la amistad.
En menos de 10 años desde su debut como actor en “Beach Rats” (Eliza Hittman, 2017), Harris Dickinson se ha establecido como una de las figuras más interesantes y prometedoras del cine anglosajón. Ha transitado entre lo comercial, como príncipe de Disney, al cine de autor, como protagonista de Triangle of Sadness (Ruben Östlund, 2022), y de vuelta al cine independiente en películas como Scrapper (Charlotte Regan, 2023). Este recorrido ha moldeado una visión que ahora expresa como director con su primer largometraje con una gran recepción por la agudeza de su crítica social inscrita en una forma alejada del naturalismo.
A Useful Ghost (Dir. Ratchapoom Boonbunchachoke)
Sección: Fantasmas del pasado
Ganadora del gran premio de la semana de la crítica en Cannes 2025. Al morir por una enfermedad respiratoria provocada por la contaminación, el espíritu de Nat (Davika Hoorne) posee a una aspiradora para acompañar y proteger a su esposo March (Witsarut Himmarat), cuya familia está lidiando con el fantasma de un empleado que ha paralizado las operaciones de su fábrica. Para obtener la aprobación de la nueva relación entre hombre-máquina, Nat ofrece a la familia sus servicios de limpieza sobrenaturales para encargarse de los problemas espirituales que los acechan.
Ratchapoom Boonbunchachoke -un nombre increíble para un cineasta- hace el salto de la crítica a la dirección, y del corto al largometraje. En las primeras reseñas se describe su una puesta en escena como bizarra, pero divertida en la que fantasía y comedia logran un balance ideal para que la historia de una aspiradora poseída contenga un comentario político enlazado con una reflexión sobre el amor y sus alcances.
La virgen de la Tosquera (Dir. Laura Casabé)
Sección: Espíritu joven
Basada en dos cuentos de la colección Los peligros de fumar en la cama (2009) de Mariana Enriquez. En la Argentina de 2001, en medio de la crisis económica del corralito y las consecuentes protestas sociales contra el gobierno, se ubica este relato en el que tres adolescentes se obsesionan con el mismo chico. Cuando él escoge a una cuarta amiga, mayor y experimentada, los celos hacen que una de ellas recurra a la brujería, con la ayuda de su abuela, para sabotear su relación, sin medir las posibles consecuencias.
Mariana Enriquez es una de las autoras latinoamericanas más importantes de la última década, destacando por su elaboración narrativa del fantástico y el terror, con gran potencial para su adaptación al audiovisual. La película de Casabé es pionera en ese aspecto y ha dejado una vara alta –si se mide por su recepción en festivales como Sundance y BAFICI– para la adaptación de Mis muertos tristes (2024) a miniserie, anunciada por Netflix y a cargo de Pablo Larraín.
Yes! (Dir. Nadav Lapid)
Sección: Miradas expandidas
Después de los ataques del 7 de octubre en Gaza, Y. (Ariel Bronz), un músico y comediante precario, recibe una oferta que puede cambiar el rumbo de su vida: componer la música para un nuevo himno nacional de Israel.
Nadav Lapid es uno de los cineastas israelíes más críticos sobre su nación y lo que representa. En 2019 se llevó el Oso de oro en la Berlinale con Synonyms, la cual presenta la historia de un joven que escapa a París para huir de su nacionalidad (yeridá), y en 2021 ganó el premio del jurado ex-aequo en la competencia oficial de Cannes con Ahed’s Knee, en la que explora la censura por medio de la presión institucional que ejerce el gobierno de Israel. Por lo tanto era inevitable su pronunciamiento, desde el cine, con respecto al genocido en Gaza. El resultado es una sátira política sin concesiones sobre el cinismo de sus connacionales frente a una crisis humanitaria que muchos pretenden ignorar.
Antropólogo (o eso dice el cartón), crítico de cine por oficio y cinéfilo por adicción.
El ateísmo lo llevó a depositar su fe en el cine sin darse cuenta, ya que confía en el poder de la imagen para revelar y transformar la relación de un espectador con el mundo. Acérrimo defensor de que las películas no se pueden describir como necesarias, porque el cine no es una obligación, sino una elección, y eso lo vuelve un acto radical de libertad. Se siente en deuda con Villeneuve por cambiarle la vida, con Godard por citar sus frases, sin estar seguro de lo que realmente dijo, y con Kiarostami por enseñarle que «sería muy estúpido por nuestra parte convertirnos en unas infelices en nombre de un ideal».
Chistes malos, algunos buenos y otras cosas en su Letterboxd.