Las mejores películas del Festival de Cine de Sundance 2021

Escrito el 11 febrero, 2021 @alessandra_kr

La semana pasada se dio por terminada la edición de 2021 del Festival de Cine de Sundance. Para Palomita de maíz fue un evento especial, pues por primera vez en nuestra corta historia pudimos cubrir el evento, beneficiados enormemente por la adecuación de esta edición a una modalidad digital. A continuación, los 16 largometrajes – películas y documentales – de Sundance 2021 que deberán mantener en su memoria para verlos cuanto antes.

Captains of Zaatari

El primero de dos títulos de la lista que presentan la vida de refugiados, Captains of Zaatari de Ali El Arab presenta la historia de Fawzi y Mahmoud a lo largo de múltiples años. Cuando los conocemos son dos adolescentes apasionados del fútbol que sueñan con jugar en las grandes ligas. No obstante, conforme pasan los años, sus sueños se ven frustrados tanto por reglas arbitrarias de edad como por su estatus de refugiados que les niega viajar libremente por el mundo para cumplir con sus responsabilidades del deporte.

Aun así, ambos tienen oportunidad de lucirse en un equipo de Qatar y conocer a algunos de los personajes más importantes del fútbol. Cálida e inspiradora, Ali El Arab ofrece una historia resonante a partir de un idioma tan universal como lo es el fútbol.

 

Flee

Sin duda mi película favorita del Festival, Flee funciona como un tributo para los millones de refugiados que deben de pasar por odiseas de supervivencia. Inspirado en eventos reales, pero modificados para proteger la identidad del sujeto, este documental animado presenta a través de unos dibujos admirables el viaje de nuestro protagonista, quien tuvo que huir de Afganistán en la década de los 80 y crear una historia falsa para llegar a salvo a Dinamarca.

Ahora, 30 años después se sienta a contar su historia, destapando problemas de confianza, miedos perdurables de deportación y peligro, así como una incertidumbre sobre su futuro. Más allá de que la película animada está muy bien realizada, Flee es un recordatorio urgente de cómo es que la humanidad de muchos es afectada por los privilegios de algunos cuantos.

 

Hive

La ópera prima de Blerta Basholli cautivó a los asistentes del Festival, resultando en la obtención de tres premios internacionales, incluyendo los de la audiencia y el jurado, así como el de mejor dirección. Estas victorias son bien recibidas, pues Hive es efectiva en su historia y emotiva en su ejecución.

Basada en hechos reales, Hive presenta la historia de Fahrije (Yllka Gashi), una mujer que se está quedando sin opciones para mantener a sus hijos, mientras que espera que su esposo desaparecido años atrás durante la guerra de Kosovo regrese a casa. Considerando que vive en una sociedad patriarcal que condena la liberación de la mujer, sus opciones son limitadas; por eso, cuando decide aprender a conducir y formar su propio negocio, todo el pueblo se le viene encima.

Aun así, incluso en momentos de duda y acoso, Fahrije persiste y encuentra éxito con su ajvar casero. Con esta película, Basholli retrata tanto la dificultad de seguir adelante por parte de un país azotado por conflictos armados, así como la dificultad de ser mujer e ir en contra de las expectativas sociales de una sociedad profundamente machista.

 

Jockey

Con Jockey, el debutante Clint Bentley atrae comparaciones con cineastas como Terrence Malick y Chloe Zhao. Usando como base su historia personal y experiencia familiar, Bentley centra su historia en el jockey veterano Jackson (Clifton Collins Jr.), quien ve sus años de gloria quedarse en el pasado, mientras que un novato (Moisés Arias) comienza a despuntar en el medio.

Al centro de la película está la interpretación de Collins Jr., quien ofrece momentos tanto de patanería como de fragilidad emocional a partir de que se da cuenta que su cuerpo le comienza a fallar y que sus planes del futuro están comprometidos por su inevitable vejez. Filmada durante la hora dorada y con una banda sonora delicada, la comparación más acertada de esta película sería The Rider, película que anunció la llegada de la previamente mencionada Zhao.

 

Mayday

Karen Cinorre presenta en Mayday una historia feminista que acoge varios clichés cinematográficos y sociales para torcerlos y usarlos a su favor. En medio de una tormenta eléctrica, Ana (Grace Van Patten) es transportada misteriosamente a una isla en donde las mujeres que la habitan están en una guerra perpetua en contra de hombres de un ejército misterioso.

Ana es rápidamente acogida por las mujeres, lideradas por Marsha (Mia Goth), quien ve en ella posibilidades de victorias absolutas. No obstante, cuando Ana deja claro que su plan es volver a su vida antigua, los conflictos aparecen. Fortalecida por excelentes actuaciones de su elenco – con énfasis especial en Goth – así como por varias reflexiones que funcionan bien para criticar a la sociedad actual, Mayday es una historia feminista disfrutable.

 

One for the Road

Bien podría confirmar que One for the Road fue la película más cool del Festival de Sundance. Con un estilo energético, lleno de colores neón y muchos mecanismos para hacer la película visualmente atractiva, Baz Poonpiriya creó una historia resonante sobre la reconciliación con el pasado a partir de una tragedia. Al centro de la historia están Aood (Ice Natara) y Boss (Tor Thanapob). El primero descubre que está a punto de morir de una enfermedad terminal y el segundo corre a su lado para acompañarlo por un viaje en carro alrededor de Tailandia para hacer las paces con sus exnovias.

Lo que resulta es un drama lleno de canciones clásicas, conversaciones profundas entre los amigos que nos permiten divisar sus puntos de vista e historias personales, así como una reflexión necesaria e intrigante sobre la huella que dejamos en los demás. Mientras que Boss termina siendo el personaje más noble – un gran salto de la impresión inicial que tenemos de él – Aood es el más complejo, incluso coqueteando peligrosamente con tonos villanescos. La película explora decepciones amorosas, reencuentros bien recibidos y heridas del corazón a partir del viaje que emprenden los dos jóvenes.

 

Passing

Rebecca Hall anuncia su llegada a detrás de las cámaras con Passing, la adaptación de la novela del mismo nombre de Nella Larsen. Aunque la película no es perfecta – el guion falla al presentar una historia intachable al irse por las ramas en muchas ocasiones – Hall ofrece algo memorable a través de su ojo enfocado en el detalle y su esfuerzo por crear algo hermoso. Ya sea la música, la fotografía a blanco y negro, la relación dimensional de 4:3 o los vestuarios, esta película es un viaje al pasado.

Al centro de la historia están Tessa Thompson como Irene y Ruth Negga como Clare, dando interpretaciones sensuales y mutuamente cautivadas. Clare es una mujer afroamericana que pasa como blanca, mientras que Irene desarrolla su vida del lado Negro de su sangre mixta. Cuando ambas se reencuentran después de años de separación, inician una relación marcada por la sospecha, los celos y la atracción mutua. Con Passing, Rebecca Hall ofrece un lente devoto hacia sus estrellas y su historia.

 

President

President nos lleva a Zimbabue en medio de un momento crucial del país. Después de que el presidente Robert Mugabe fue obligado a renunciar tras décadas de dictadura, se acercan las elecciones presidenciales del país. Por un lado, está Emmerson Mnangagwa, exvicepresidente y ahora líder del partido político que ha estado en el poder desde la independencia del país africano. Por el otro, está Nelson Chamisa, líder de la oposición.

A través de una ilustración de los hechos a partir de lo que sucede en tiempo real, la directora Camilla Nielsson presenta una imagen clara de la red de corrupción del país y la manera en que Mnangagwa y sus aliados arreglan las elecciones. Ya sea intimidaciones y actos de violencia física y sexual en las casillas electorales, opresión de manifestantes con armas de fuego, datos irregulares sobre el número de votantes registrados o una postergación sospechosa del anuncio del ganador, President presenta una de las campañas electorales más corruptas de los últimos años. Lo más impresionante del documental es que muchas de las cosas turbias que se presentan pueden resultar familiares para el espectador sin importar el país en el que se encuentren.

 

Rita Moreno: Just a Girl Who Decided to Go for It

Rita Moreno es una de las actrices más admiradas de Hollywood y hasta hoy, una de dos mujeres latinoamericanas en haber ganado un premio Óscar (y una de las pocas personas en ser una EGOT – acreedora del Emmy, Grammy, Oscar y Tony). Rita Moreno: Just a Girl Who Decided to Go For It ofrece una mirada íntima y directa de la leyenda del entretenimiento a través de conversaciones casuales con la artista, una revisión detallada de su carrera, y entrevistas con personas del medio que bien han sido influidas por la actriz puertorriqueña o han compartido escena con ella.

Además de ser una celebración de Moreno, el documental también retrata muchos de los desafíos a los que se enfrentó, incluyendo el encasillamiento profesional debido a su latinidad, el romance tumultuoso con Marlon Brando, los constantes abusos emocionales y físicos a los que se enfrentó en Hollywood y la realidad de su matrimonio “exitoso” de más de 40 años con Leonardo Gordon.

 

Sabaya

En 2014, miles de mujeres Yazidi fueron secuestradas por el Estado Islámico mientras que éste ganaba territorios en Siria. Sabaya, del documentalista Hogir Hirori, presenta la lucha por parte de voluntarios por encontrar a estas mujeres, salvarlas de sus abusadores que las convirtieron en esclavas sexuales (conocidas como Sabaya) y regresarlas a casa. Con una producción modesta, Hirori y su equipo siguen a mujeres rescatadas que se infiltran en el campo de refugiados Al-Hol para hallar a las víctimas, a hombres que llegan en medio de la noche al campamento en busca de las mujeres identificadas y a las jóvenes salvadas mientras se preparan para regresar a casa.

Extremadamente realista y cruda, Sabaya presenta la historia de heroísmo de algunos ante un Estado fallido e inútil, mientras que refleja los testimonios de pérdida y miedo de las mujeres secuestradas y recién rescatadas.

 

The Sparks Brothers

Edgar Wright tuvo su debut directoral de documentales con The Sparks Brothers, un hermoso tributo sobre quizá la banda más cool de la que muchos nunca han escuchado hablar. Acompañado de un repertorio admirable de caras actuales y clásicas del entretenimiento, incluyendo Beck, Mike Burns, Mike Myers, Weird Al Yankovic, Alex Kapranos, Jack Antonoff y más, Wright hace una inspección detallada y animada de los hermanos Ron y Russell Mael – mejor conocidos como Sparks – incluyendo sus inicios en Los Ángeles, Estados Unidos; su constante innovación en el mundo de la música; sus momentos de éxito y fracaso; y la manera en que han influido a miles de bandas de la actualidad.

Más allá de la historia – que es épica e inspira a escuchar los más de 25 álbumes de la banda – la manera en que Wright desarrolla el documental hace todo divertido y electrificante. Ya sean las entrevistas de los hermanos, los testimonios de los personajes de la música, o la edición del metraje, The Sparks Brothers es uno de los documentales musicales más gozosos que he visto.

 

Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised)

El multifacético Ahmir “Questlove” Thompson presenta un documental que resulta igualmente emocionante como vital. En un momento en el que se está inspeccionando la historia y la manera en que las minorías – con énfasis especial en la comunidad afroamericana – son tratadas en Estados Unidos, Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised) es visionado obligado.

El documental presenta el Festival Cultural de Harlem, un evento que tuvo lugar a lo largo de varios fines de semana en el verano de 1969 en Nueva York, Estados Unidos. No obstante, se perdió de vista todo el metraje del evento por cincuenta años, hasta hoy. A través de grabaciones del Festival, entrevistas con algunos asistentes – tanto artistas como espectadores – y un contraste de la música con sucesos sociales de la época, hacen de Summer of Soul una experiencia disfrutable llena de aprendizaje y dicha afroamericana.

 

Together Together

Esta comedia discreta escrita y dirigida por Nikole Beckwith presenta una historia de amor platónico entre un hombre soltero cuarentón (Ed Helms) y la madre subrogada (Patti Harrison) de su bebé. Lo que inicia como una relación incómoda con base en preguntas de cuestionarios e intercambios básicos de información evoluciona a una amistad profunda. Sin embargo, al considerar el acuerdo en el que ambos entraron, quizá esta no es la mejor opción, pues tienen diferentes planes una vez que los nueve meses se cumplan y el bebé nazca.

A través de esta historia, Beckwith plantea cuestionamientos actuales sobre la soltería, la presión de asentarse, las relaciones platónicas y el deseo de cumplir nuestros sueños. Para que la película funcione tan bien, la directora se recarga en la química entre Helms y Harrison, quienes son adorables – y a veces desesperantes – en sus roles modernos. Además, la película merece atención especial por la interpretación de Harrison en quizá uno de los papeles principales más entrañables y positivos traídos a la vida por una actriz trans en el cine norteamericano.

 

Violation

Los cineastas Madeleine Sims-Fewer y Dusty Mancinelli tomaron como base sus propias historias como sobrevivientes de abuso sexual para contar Violation, una de las películas más impactantes del Festival. Cuando Miriam (Sims-Fewer) y su esposo Caleb (Obi Abili) van a visitar a Greta (Anna Maguire) la hermana de ella, su matrimonio está a punto de terminar. La relación con Greta tampoco es perfecta, por eso Miriam encuentra apoyo en Dylan (Jesse LaVercombe), su cuñado. No obstante, el fin de semana tiene un giro fatal cuando Dylan abusa de Miriam.

A partir de entonces, vemos cómo es que Miriam cae en un espiral de venganza y furia que termina en una de las acciones más escalofriantes plasmadas en pantalla, todo en un contexto de abuso sexual y trauma. Se aprecia la manera en que Sims-Fewer y Mancinelli hacen justicia a su visión y no se acobardan de presentar imágenes traumatizantes, al mismo tiempo que mantienen la humanidad de Miriam, sin importar lo terrible que haga.

 

Wild Indian

En Wild Indian, la ópera prima de Lyle Mitchell Corbine Jr., se presenta la historia inquietante de Makwa (Michael Greyeyes) y Ted-O (Chaske Spencer) a través de dos líneas de tiempo. En la primera, Makwa es un niño violentado por su familia que comete un crimen imperdonable. En su momento de pánico, involucra a base de manipulaciones a Ted-O para ayudarle a encubrir su acción. En la segunda, nos reencontramos con ambos personajes 20 años después, uno como un hombre empresarial exitoso alejado de su vida en la comunidad nativa en la que nació, y el otro saliendo de la cárcel después de escoger un camino equivocado a partir del suceso de su niñez.

La película no se preocupa por llenar las lagunas de tiempo, pues más bien se enfoca en el presente y la manera en que ambos lidian con los recuerdos y con sus acciones, ofreciendo una mirada a su vida personal y al contraste de las apariencias. Aunque Greyeyes y Spencer dan excelentes interpretaciones, es Greyeyes quien ofrece una actuación inquietante de un hombre sociópata. El hecho de que Wild Indian se desarrolle en el seno de una comunidad nativa estadounidense le ofrece una capa adicional de carga histórica y emocional a la de por sí complicada historia del protagonista y sus intentos por dejar atrás sus orígenes.

 

Writing with Fire

Writing with Fire sigue a unas periodistas indias que crearon el periódico Khabar Lahariya en el año 2000, el único medio de comunicación indio compuesto exclusivamente por mujeres. 20 años después, el periódico es uno de los más importantes del país y ahora sus fundadoras y contribuidoras deben lidiar con un nuevo reto: modernizarse y pasar a ser un medio digital. Los cineastas Rintu Thomas y Sushmit Ghosh siguen a las periodistas mientras se acoplan a las nuevas exigencias tecnológicas mientras continúan haciendo frente a los estereotipos y las barreras sociales del país, incluyendo el sistema cruel de castas, las expectativas de género y los cambios políticos locales.

Inspiradora, exasperante al ser testimonio de lo que tienen que pasar las periodistas, y reveladora, Writing with Fire ofrece un panorama de vida distinto a lo que estamos acostumbrados, aunque muchos de los paradigmas que las mujeres emprendedoras deben romper son bien reconocibles por muchas.

 

Parece que la selección de 16 películas se quedó corta, pues esta edición ofreció muchas películas que vale la pena mencionar. Por ejemplo, Coda, la película que arrasó en el Festival con múltiples premios es una linda historia de amor familiar que trata con cariño a sus personajes sordos. Street Gang: How We Got to Sesame Street es la opción perfecta para cuando quieran sentir nostalgia por su niñez con la revisión del nacimiento del famoso programa de televisión y la creación de sus personajes. El drama maltés Luzzu presenta una historia memorable que pone en conflicto la tradición y el cumplimiento de los deberes familiares, con una interpretación destacada de Jesmark Scicluna. Por último, How It Ends es una dulce historia apocalíptica que tiene más que ver con la autocompasión y menos con el final del mundo.

 

 

 

 

 

*El 14 de febrero de 2021 se corrigió este artículo. La autora cometió el terrible error de olvidar la victoria de Lupita Nyong’o en los Premios Óscar de 2013 por su rol en 12 Years a Slave. Rita Moreno y Lupita Nyong’o son las únicas mujeres latinoamericanas que han ganado el Premio Óscar por actuación.

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