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Las mejores actuaciones cinematográficas de 2022

Escrito el 12 enero, 2023 @Kenny_DiazPR
Esta pieza contiene spoilers de numerosas películas de 2022.

Ahora que estamos en nuestro repaso de lo mejor del cine de 2022, es hora de profundizar en el fascinante trabajo de los actores. Por supuesto, cada año cinematográfico conduce a un superávit de grandes actuaciones y nuestras favoritas de 2022 se eligen de entre la tranquila tarifa del Festival de Sundance, los éxitos de taquilla dirigidos por autores, los futuros nominados al Óscar y mucho más. Como cada año, no todo cabía en esta lista, y en consonancia con un año de cine tan gratificante y desafiante, algunas de estas selecciones sin duda los sorprenderán (o, con suerte, los inspirarán a ver lo de lo que sea que se han perdido).

 

Angela Bassett // Black Panther: Wakanda Forever (Dir. Ryan Coogler)

En Wakanda Forever, el rey T’Challa ha muerto. Ramonda, su madre y sucesora, tiene dos misiones: defender a su país de invasiones enemigas y enfrentar su duelo. Angela Bassett tiene gracia real, una mirada demoledora y una actitud determinada. El vestuario de Ruth Carter empodera a Bassett, pero la actitud corporal y la autoridad del rostro de la actriz son más grandes que cualquier incursión intergaláctica del MCU. Cuando la sombra de una catástrofe amenaza con destruir a su familia, la reina Ramonda explota y Bassett provoca escalofríos: “Soy reina de la nación más poderosa del mundo y mi familia entera se ha ido. ¿Acaso no lo he perdido todo?” – Carlos Yaya

 

Yuriy Borisov// Compartment No.6 (Dir. Juho Kuosmanen)

La esencia de Compartment No.6 es cómo las primeras apariencias comúnmente son incorrectas. Para representar esto está Lyokha (Yuriy Borisov), compañero de andén de Laura (Seidi Haarla), en un viaje en tren por el norte de Rusia. Ella, sensible, dolida porque su novia la abandonó para el viaje y entusiasta de grabar todo lo que pasa a su alrededor, no ve ni una cualidad en él, un ruso minero, borracho y nada amigable. No obstante, poco a poco, y a lo largo de los días en los que pasan tiempo juntos a la fuerza, entablan una relación en la que permiten conocerse, compartiendo cierta conexión que va más allá de las primeras impresiones.

Borisov, con una presencia huraña e incómoda, hace que su personaje se desarrolle con el paso del tiempo para mostrar a un joven sensible que tiene problemas para interactuar con los demás, pero que se esfuerza una vez que entabla un lazo con alguien. El desarrollo de su personaje es a la vez cómicamente arduo y entrañable de observar. Pronto queda claro que Laura es especial y que no con cualquiera se permite la vulnerabilidad y apertura que tiene con ella. Por si fuera poco, Borisov ofrece una de las mejores entregas de diálogo del año cuando declara que “todos los humanos deberían ser asesinados” cuando Laura llora después de que un extraño le roba su videocámara. Al igual que ella, la audiencia no tiene otra opción más que reírse ante la severidad y torpeza de tal exclamación. Su interpretación es simplemente encantadora. – Alessandra Rangel

 

David Bradley // Guillermo del Toro’s Pinocchio

Actuaciones de voz no suelen ser tan reconocidas, lo cual es una pena. En el caso de Guillermo del Toro’s Pinocchio, la película está llena de maravillosas interpretaciones, pero el Geppetto de David Bradley se ganó un puesto entre mis favoritas.

Su interpretación del viejo carpintero, lleno de rencores, arrepentimientos y tristeza, no sería la misma sin su voz. La pasión, el dolor y la tristeza pueden sentirse a través de sus tonos vocales, cerrando los ojos y escuchando cómo el carpintero batalla con los sentimientos cruzados que tiene ante su nuevo hijo. Trabajos como estos, son casi un milagro, existiendo dentro de una película milagrosa como esta. – Charlie Ruiz

 

Sterling K. Brown y Regina Hall // Honk for Jesus. Save Your Soul. (Dir. Adamma Ebo)

Las actuaciones cómicas no siempre son apreciadas. Conmover hasta las lágrimas es tomado casi automáticamente como sinónimo de excelencia interpretativa. Lo cierto es que capturar el lado cómico del mundo, con sus incongruencias y locuras, y llevar al público a tomar conciencia de su sentido del humor, puede ser igual o más difícil que un trabajo dramático.

Honk for Jesus. Save Your Soul. presenta a Lee-Curtis y Trinitie, interpretados por Sterling K. Brown y Regina Hall, respectivamente. Este matrimonio de pastores de una mega iglesia evangélica intenta regresar al púlpito tras un escándalo que provocó el éxodo masivo de feligreses. En formato de falso documental, la película es una crítica mordaz al cristianismo vacío y tóxico. Las actuaciones de Brown y Hall son estupendas. Ambos navegan con maestría en los efectismos del guion, logrando un balance entre lo burlesco y lo proporcionado. Añaden capas a sus personajes a medida que avanza la película demostrando que puede haber complejidad psicológica en las conductas más risibles.

Brown captura a la perfección el carácter excéntrico de Lee-Curtis, un hombre patéticamente infantil y frágil que se esconde tras la imagen del varón perfecto de Dios, llamado al triunfo y la gloria. Hall es fantástica como Trinitie, la primera dama abnegada, siempre dispuesta a callar en favor del ministerio, pero que progresivamente muestra agencia, aun con las acciones más cuestionables. La actriz de la saga Scary Movies (2000-2006) es la anatomía del sarcasmo en pantalla. Con gestos sutiles y líneas filosas, Hall trasciende el retrato de víctima del machismo rampante y toma el control de su propia narrativa con una declaración final incendiaria. Son dos actuaciones armónicas y matizadas. – Kenny Díaz

 

Frankie Corio // Aftersun (Dir. Charlotte Wells)

Todas las miradas de Aftersun han recaído en Paul Mescal, uno de los actores de moda en Hollywood, lo cual en parte es perfecto, porque como Callum, el joven padre de una preadolescente, el irlandés confirma su estatus como estrella ascendente del mundo del cine. No obstante, la actuación de Mescal no habría sobresalido tanto sin la presencia de Frankie Corio, su joven coestrella que interpreta a Sophie, su hija y compañera de vacaciones.

La sensibilidad de la pequeña actriz es palpable en la mirada inocente de una niña que no entiende lo que ocurre con su padre. El público puede ver claramente lo que sucede: Callum sufre, tiene depresión y lucha diariamente. Sin embargo, Sophie solo intenta vivir. Impresionante debut de Corio, un talento a tener en consideración. – Julia Andrade

 

Danielle Deadwyler // Till (Dir. Chinonye Chukwu)

Por segundo año consecutivo, Danielle Deadwyler ofrece una racha de actuaciones impecables que la posicionan como uno de los talentos más emocionantes de hoy. Tras brillar en 2021 en la miniserie Station Eleven y en la cinta de vaqueros The Harder They Fall, la estrella interpreta a la activista y educadora Mamie Till-Mobley en el drama histórico Till. Se trata de la actuación que debería definir el futuro de su carrera, solo si la industria toma nota de su talento.

Till retrata uno de los episodios más horríficos en la larga historia de racismo de la sociedad estadounidense: el asesinato de Emmett Till, un niño Negro de 14 años que fue linchado por hombres blancos en Money, Misisipi, en 1955, tras haber “piropeado” a una mujer blanca. Deadwyler, como la madre del chico, asume la difícil tarea de encontrar gracia, aplomo y resiliencia en medio de la devastación.

La actriz lleva la evolución del personaje de forma admirable, desde el miedo palpable en los preparativos del viaje de Emmett al sur para conocer a sus primos, pasando por el abatimiento y la inercia una vez que recibe la noticia de su muerte, hasta llegar a la indignación furiosa en los momentos del juicio contra los asesinos. Precisamente es en ese juicio donde Deadwyler ofrece una de las escenas más desgarradoras del año: sentada en el estrado, con ojos cerrados, párpados temblorosos y lágrimas deslizándose a través de sus mejillas, Deadwyler conjura tanto el horror del racismo como el poder inquebrantable del amor maternal. – Kenny Díaz

 

Dolly De Leon // Triangle of Sadness (Dir. Ruben Östlund)

La introducción al personaje de Abigail en Triangle of Sadness puede pasar desapercibida. En una escena de menos de 30 segundos entra de forma imprudente al cuarto de Carl (Harris Dickinson) y Yaya (Charlbi Dean), una pareja de modelos invitados a un crucero de lujo, preguntando si puede hacer la limpieza, para ser expulsada a gritos. Ni siquiera se menciona su nombre.

Si no se conocen de antemano los elogios a Dolly De Leon por su actuación, se podría asumir que se trata de una extra con un par de líneas. Es un momento sutil, pero fundamental porque establece desde un primer instante a Abigail como alguien que irrumpe, incomoda y que no acepta con pasividad el protocolo. Estas características la convierten en el centro de la historia cuando regresa a pantalla en el tercer acto.

Aquí, De Leon hace que Abigail mantenga su carisma con una apariencia inocente y tierna, pero que, a la vez, sea una figura autoritaria y amenazante cuando la circunstancia lo requiere, contrastando con la casi invisibilidad de esa primera escena. Ella es la verdadera disrupción del orden social y quien guía a la pregunta de si todo poder eventualmente lleva al abuso de este. En su última escena, su rostro refleja la decadencia que ha generado la ambición y el conflicto de qué tan lejos ha de llegar para mantener la fantasía, de que, situada en medio de la precariedad, es mejor que el conformismo ante el menosprecio de la sociedad. Sutileza y furia son ejecutadas a la perfección por De Leon. – Juan Andrés Rodríguez

 

Colin Farrell // The Banshees of Inisherin (Dir. Martin McDonagh)

“Pero te caía bien ayer.” Con esta frase, igualmente cómica, como desgarradora, inicia el conflicto al centro de The Banshees of Inisherin, una de las películas más furtivamente tristes de 2022. Colin Farrell trae a la vida a Pádraic Súilleabháin, un isleño irlandés que se encuentra ante la nueva enemistad del que sería su mejor amigo de toda la vida, Colm Doherty (Brendan Gleeson). Cuando el último le declara al primero que ya nunca quiere volver a hablar con él porque lo encuentra terriblemente aburrido, Pádraic se encuentra ante una perdición emocional en la que simplemente no puede entender que algo tan drástico y cruel pueda estar pasando.

Farrell, con tal vez las cejas más expresivas y melodramáticas de Hollywood, así como una naturalidad envidiable para decir el diálogo creado por el guionista Martin McDonagh hace reír y llorar con sus aseveraciones confusas y sus intentos desesperados por recuperar la amistad de Doherty. El actor tuvo la “maldición” de nacer con una cara de galán cuando sus gustos más bien se recargan en los papeles para los actores de carácter, y justo en los últimos años, ha podido demostrar el abanico de su talento al explorar estos personajes inesperados.

En The Banshees of Inisherin utiliza su tacto y sensibilidad para oscurecer a la persona más noble y sencilla a partir del corazón roto de la pérdida de una amistad. Pareciera que la dupla que forma con McDonagh y Gleeson le permiten hacer lo que mejor hace: ser trágicamente gracioso, utilizando el conocimiento profundo de su propia cara y ese acento irlandés inconfundible. – Alessandra Rangel

 

Mia Goth // Pearl (Dir. Ti West)

Si hay alguien con un récord de trabajo impresionante en 2022 es Mia Goth. La joven actriz estelariza, bajo la dirección de Ti West, las cintas de horror X y Pearl. En la primera brilla por partida doble, interpretando a una aspirante a actriz porno y a una anciana criminal con deseo sexual reprimido. Precisamente, es esa anciana la que toma el centro del escenario en Pearl, la precuela que explica los orígenes de la villana de X.

En 1918, durante la pandemia de influenza, Pearl es una mujer joven que vive con sus padres inmigrantes alemanes en su granja de Texas mientras su esposo sirve en la Primera Guerra Mundial. El padre de Pearl está enfermo y paralizado, y su madre dominante insiste en que ella ayude a cuidar tanto de él como de la granja. Pearl, quien anhela una vida más emocionante, queda cautivada por las películas que ve en el cine local y aspira a convertirse en corista, para gran desaprobación de su madre. Sin embargo, Pearl también muestra signos de ser una persona perturbada, como matar animales de granja y abusar físicamente de su padre.

Mia Goth construye un retrato tan horrífico como fascinante de una antiheroína, logrando algo sumamente difícil: la posibilidad de despertar empatía hacia un personaje abyecto. En una mezcla de encanto infantil, optimismo contagioso y rabia creciente, Goth transmite las ansias de libertad de una joven trastornada que desea romper el ciclo de miseria de su familia. La escena de Pearl en una audición de baile, así como su monólogo final, son momentos complejos y sinceros en los que Goth disipa cualquier atisbo de sensacionalismo o explotación en una historia de conflicto inexorable. – Kenny Díaz

 

Rebecca Hall // Resurrection (Dir. Andrew Semans)

Rebecca Hall constantemente prueba que es una de las actrices más infravaloradas de la industria. Su carrera es impredecible y los nuevos proyectos en los que aparece son ambiciosos y escogidos como anillo al dedo para su rango interpretativo. Si de algo se puede tener seguridad, es que no interpretará a un personaje genérico y complaciente. En Resurrection, tiene la oportunidad de brillar en un rol psicológicamente perturbado como una mujer que evade un trauma visceral de la juventud cuando alguien indeseado reaparece en su vida.

Es difícil describir las emociones y sensaciones que genera el debut de Andrew Semans, un thriller sobre manipulación, crueldad y trauma. Hall deconstruye a su personaje con facilidad aterradora, desnudando a una protagonista que parecía implacable, segura de sí misma y dominante, y pasando a ser indefensa, atormentada y cada vez más errática en su trabajo y relación con su hija adolescente. Resurrection es una película incómoda, y Hall hace de la experiencia algo cercano, tórrido y catártico. – Cesar Guedez

 

Anahí Hoeneisen // Lo invisible (Dir. Javier Andrade)

Lo invisible sigue a Luisa, interpretada por Anahí Hoeneisen (también coguionista), quien regresa a casa luego de pasar una temporada en psiquiatría por una depresión posparto. A pesar de un buen recibimiento, Luisa tiene dificultad para sentirse como en casa o, más bien, para encontrarse a sí misma. Pronto queda claro que algo en ella se quebró y su regreso no significa una recuperación. Por el contrario, Luisa no solamente mira con extrañeza a la bebé, su segunda hija, sino que constantemente exhibe un comportamiento autodestructivo, caminando sobre vidrios o arañándose la piel.

En esta exploración inquietante del confinamiento y la pérdida de identidad, Hoeneisen brilla con una actuación intrigante. Todo el tiempo queremos saber qué es lo próximo que hará Luisa, de qué manera se hará notar o si saldrá de su prisión emocional. Rodeada de lujos y comodidades en una casa donde su existencia se agota, recuerda a la reina rota de Olivia Colman en The Favourite (2018). La actuación de Hoeneisen es, en suma, un retrato oscuro, pero a la vez humano, del lado amargo de la vida doméstica y el pozo de la depresión. – Kenny Díaz

 

Nicholas Hoult // The Menu (Dir. Mark Mylod)

En The Menu, Nicholas Hoult interpreta a Tyler, un personaje con quien todos nos hemos encontrado en algún momento: el foodie, esa persona pretenciosa y obsesionada con todo aspecto estético de la experiencia culinaria y que le toma una foto a todo lo que se lleva a la boca. Este personaje está en contraposición con Margot Mills (Anna Taylor-Joy), a quien toda la experiencia le parece indignante.

Tyler es egoísta, egocéntrico y petulante; hasta cierto punto menosprecia a quienes, a sus ojos, no saben apreciar lo gourmet. Tyler es, también, una persona a la cual le apasiona la comida y todo lo relacionado con la experiencia de comer. De cierta manera endiosa a quienes dedican su vida a crear los sabores que él degusta. Si el chef Slowik (Ralph Fiennes) fuese líder de un culto, Tyler estaría allí como fiel seguidor. Hoult muestra su dominio interpretando a un personaje con cualidades desagradables, pero que no podemos detestar completamente. Amamos odiarlo y odiamos amarlo. – Andrea Marín

 

Stephanie Hsu // Everything Everywhere All at Once (Dirs. Daniel Kwan y Daniel Scheinert)

Cuando compartes escena con un titán de la industria como Michelle Yeoh y tienes momentos en los que tienes confrontaciones actorales con ella, ¿puedes sobrevivir a tales encuentros? En el caso de Stephanie Hsu, no solo sobrevivió, sino que brilló de manera propia manera. Una labor igual de grandiosa que la de Yeoh, Hsu demostró que también contiene multitudes, en especial una llena de dolor y enojo, y tristeza y temor. – Charlie Ruiz

 

Sofia Kappel // Pleasure (Dir. Ninja Thyberg)

Hay interpretaciones que solo pueden ser definidas como valientes. No cualquiera tiene la capacidad de meterse bajo la piel de un personaje complicado y expuesto a múltiples vulnerabilidades. Este es el caso de Sofia Kappel en Pleasure de Ninja Thyberg, un viaje sofocante y crudo a la industria pornográfica que deconstruye las falsas ideas de empoderamiento sexual y describe sin tapujos la explotación de la mujer y la normalización del abuso en un entorno en el que son vistas como objetos intercambiables.

Kappel interpreta a Linnea, quien, llegando de Suecia a Estados Unidos, adopta el nombre artístico de Bella Cherry y empieza una carrera en la pornografía. Sus sueños pronto se desmantelan y la degradación humana a la que es sometida es impactante sin nunca llegar a lo explotador. A través de escenas que transmiten miseria, arrepentimiento e impotencia, se pueden apreciar cada una de sus ilusiones rotas. Para maniobrar entre la explotación de la industria debe adoptar actitudes desagradables. Kappel hace lo que amerita el brillante guion de Thyberg: comprender que esto es parte del problema y nunca perder la empatía. Es una voz que merece ser escuchada, y su agrio recorrido estremece a cualquiera. – Cesar Guedez

 

Vicky Krieps // Hold Me Tight (Dir. Mathieu Amalric)

2022 es el año de Vicky Krieps. La actriz luxemburguesa impresionó con More Than Ever (estrenada en Cannes y guardada para un lanzamiento comercial en 2023) y Corsage, la cual le está ofreciendo las críticas positivas más ruidosas desde su participación en Phantom Thread (Paul Thomas Anderson, 2017). No obstante, y aunque la última se está llevando toda la atención, yo diría que su mejor interpretación del año sucede en Hold Me Tight, una pequeña película dirigida por el también actor Mathieu Amalric y que tuvo un estreno sigiloso a finales de año.

Aquí, Krieps trae a la vida a Clarisse, una mujer que parece tener la vida perfecta rodeada de su esposo y sus dos hijos. Con un pequeño vistazo a su rutina, queda claro que está plena y feliz. No obstante, y sin razón aparente, un día Clarisse abandona a su familia y emprende un viaje sin vuelta atrás. La película se encarga de descubrir qué es lo que realmente está sucediendo y la razón detrás de esta decisión drástica.

Krieps emprende un viaje emocional conforme se aleja de casa, conoce a extraños, y la verdad se expone. La narrativa mezcla el pasado con el presente, la realidad con la fantasía, y la felicidad con el desamor profundo de una madre que nunca verá a sus hijos de nuevo o al esposo que evidentemente adora con locura. En todo esto, Krieps mantiene la lealtad de la audiencia mientras se entiende lo que sucede, y conquista el dolor empático una vez que todo se esclarece. Locura, tristeza, enojo, frustración y aceptación son traídos a la vida por la actriz de la manera más humana y desconcertante posible. Krieps es la película y la convierte en una de las joyas secretas del año. – Alessandra Rangel

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