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Las grandes ausencias en las nominaciones a los Óscars 2024

Escrito el 7 febrero, 2024 @JuanRod_52

Más de dos semanas después, pero seguimos sin superarlo. Año nuevo, mismas decepciones con las nominaciones a los Óscar. Es un ciclo que repetimos en cada edición: escogemos películas favoritas, intentamos divisar su camino al teatro Dolby, nos entusiasmamos con los precursores y en el anuncio de nominaciones a los premios Óscar, la Academia rompe nuestras ilusiones. Esto es parte del juego y la vida mejora cuando ya se es consciente de que una nominación no es equivalente a “la calidad” de una película. La decepción de un snub realmente corresponde a que el reconocimiento de la Academia puede representar más oportunidades de alcance y desarrollo para el equipo detrás de una película.

En este año, el discurso sobre las ausencias trascendió al debate público tras la omisión de Margot Robbie y Greta Gerwig por su trabajo en Barbie en las categorías de actriz principal y dirección, respectivamente. Mientras que los medios reportaban el asunto como si por primera vez se excluyeran a las mujeres en la premiación, ignorando que ambas cuentan con nominaciones por producción (Robbie) y guion adaptado (Gerwig), los cinéfilos tenemos que procesar múltiples ausencias de actores, directores, compositores y, en el peor de los casos, el equipo completo de algunas películas.

En Palomita nuevamente unimos esfuerzos para transformar nuestras tristezas en una oportunidad para gritar al viento y celebrar las películas y artistas que se han quedado fuera en esta edición de los premios de la Academia, esperando que su legado sea más grande que una nominación o una estatuilla de oro.

 

All of Us Strangers (Dir. Andrew Haigh)

Categorías en las que debió aparecer: película, dirección, guion adaptado, actor, actor de reparto*2, actriz de reparto.

Con una impresión más indeleble en Reino Unido que en Estados Unidos, supongo que la dominación de All of Us Strangers en las nominaciones era un sueño guajiro. Aun así, la película, con su mensaje nostálgico de aceptación, conciliación con el pasado y apertura al presente, parecía que había gustado. Que Andrew Scott y Paul Mescal estuvieran en una fuerte campaña de promoción a diestra y siniestra mínimo hacía pensar que ambos recibirían nominaciones en las categorías de actor principal y actor de reparto, respectivamente. Desafortunadamente no fue así y la película fue completamente ignorada. Obvio ni qué decir de las actuaciones secundarias de Claire Foy y Jamie Bell, quienes apantallaron con sus pequeños, pero esenciales roles en el drama de Andrew Haigh. – Alessandra Rangel

 

Anatomy of a Fall (Dir. Justine Triet)

Categorías en las que debió aparecer: actor de reparto*3.

Podrían decir que es avaricia pedir a la Academia más de cinco nominaciones (incluyendo mejor película, dirección y actriz) para una película internacional, pero la realidad es que esas nominaciones se quedan cortas para celebrar la fuerza actoral masculina que está en la periferia de Anatomy of a Fall. Sé que esto resulta irónico con respecto al discurso de la película, pero, en un año donde la categoría de mejor actor de reparto consiste en apuestas seguras con figuras de renombre, es frustrante ver cómo tres actores de un solo filme dan mejores actuaciones y no reciben mención.

Swann Arlaud causó furor en redes sociales como “the hot lawyer” y, aunque inevitablemente seductor, su interpretación de Vincent es cautivante por la forma sutil en la que lucha por conciliar sus sentimientos por Sandra con las dudas sobre su inocencia, así como el anhelo de un amor no correspondido que carga a cuestas desde hace años y que lo perseguirá toda la vida. Hay tanto amor por Vincent como odio por el fiscal del juicio, interpretado por Antoine Reinartz, quien merece reconocimiento por ofrecer uno de los personajes más detestables del año. Con su retórica voraz e incesante, Reinartz representa a un sistema que se delita de destruir la reputación de una mujer, que la responsabiliza de las frustraciones de su esposo y presenta sus logros como resultado de actos egoístas. Reinartz transforma sus acusaciones en monólogos entretenidos y provocadores con un dinamismo inigualable y propio del estilo francés.

Si bien Arlaud y Reinartz nunca estuvieron en consideración, además del acaparador de escenas que es el perro Milo en el papel de Snoop, la ausencia que más duele es la de Milo Machado Graner como Daniel, el hijo de Sandra. Si Hüller es el rostro de la cinta, Machado Graner es el alma. Desde su perspectiva, la audiencia descubre los secretos y caras de un matrimonio en decadencia, haciéndonos cuestionar si podemos fiarnos de los recuerdos y, sobre todo, guiándonos a la pregunta de por qué pasó lo que sucedió.

Daniel es un niño muy inteligente, que sobrestima su capacidad para procesar los secretos y rencores de sus padres, llevándolo al desespero en busca de una solución a la tormenta mediática que se apoderó de su familia. La sensibilidad y madurez necesaria para este papel requieren de un talento único que Machado Graner demuestra con creces. Sin embargo, el menosprecio de la Academia por las actuaciones infantiles lastimosamente prevalece. – Juan Andrés Rodriguez

 

The Boy and the Heron (Dir. Hayao Miyazaki)

Categorías en las que debió aparecer: banda sonora.

Apoyar a películas animadas en la carrera al Óscar es repetir cada año esa frase icónica de Dewey en Malcolm in the Middle, “No espero nada y estoy desilusionado”. Ya son más de 20 años desde que fue creada la categoría de película animada y, en vez de solucionar a la falta de reconocimiento para este medio, se ha convertido en excusa para ignorar los méritos cinematográficos de estas cintas en otras categorías. De vez en cuando la Academia sorprende al distinguir a una candidata popular (léase recientemente Soul), pero se pueden contar las ocasiones con los dedos de una mano y en todos los casos han sido producciones de Disney o Pixar.

Este año las esperanzas estaban en el reconocimiento de la maravilla visual que es Spider-Man: Across the Spider-Verse (Joaquim Dos Santos, Kemp Powers  & Justin K. Thompson) y la aparente despedida, pero ahora regreso, de Hayao Miyazaki con The Boy and the Heron. Aunque ya se veía venir su ausencia en la categoría de mejor película, se guardaba la ilusión de reconocimiento en los apartados técnicos, especialmente en banda sonora. Aunque ambas películas eran meritorias, la omisión del trabajo de Joe Hisaishi por la cinta japonesa duele en especial.

El hombre que ha dado el sonido distintivo a Studio Ghibli tenía su mejor oportunidad de reconocimiento en el circuito occidental con una composición clave para transmitir la intensidad que propone Miyazaki. Cada pieza de Hisaishi llena de emoción las secuencias de esta aventura épica sobre el duelo y la continuidad de un legado, llegando al corazón con tan solo un piano y unas cuerdas. – Juan Andrés Rodríguez

 

Los delincuentes (Dir. Rodrigo Moreno)

Categorías en las que debió aparecer: película internacional.

Tras casi haber rozado la gloria por tercera vez con Argentina, 1985, las alegrías le son contadas al pueblo argentino. En uno de sus momentos más álgidos a nivel político, el país quedó afuera siquiera de la lista corta de película internacional con una apuesta inteligente de uno de los exponentes del movimiento Nuevo cine argentino.

El cine argentino hoy lucha por su supervivencia, sacrificado bajo la excusa de sacar al país adelante de una de las peores crisis de la historia. Ese cine, que le ha dado tantas alegrías a nivel internacional, que ha sido estandarte cultural de Latinoamérica en el mundo, hoy es cuestionado por su propia razón de ser. Culpa de la Academia no es, por supuesto, porque cuando el país lo ha merecido, el lugar ha estado, pero quizás el haber apostado por Los delincuentes hubiera dado un alivio a un momento tan tenso.

Por el transcurso de poco más de tres horas, Moreno devuelve a la Argentina esas ganas de hacer cine casi que de autor, identitario, pero sin perder el toque clásico. Los delincuentes se aleja de la Argentina, 1985 de Santiago Mitre y se acerca al delirio de Relatos salvajes (2014) de Damián Szifrón, el de tomar riesgos y ponerles el toque aporteñado. En una suerte de sátira que ironiza la rutina, Moreno da esperanza un pueblo preso de la monotonía, que bien le hubiese valido un hueco en la categoría internacional para que se le infle el pecho no a los argentinos, sino a todos nosotros junto con ellos. – Valentina Starcovich

 

Fallen Leaves (Dir. Aki Kaurismäki)

Categorías en las que debió aparecer: película internacional, guion original, dirección y actriz.

Como lo dije el año pasado, las ausencias que más duelen son aquellas cintas con las que uno guarda la esperanza hasta el último momento, pero que en retrospectiva era claro que no iba a pasar. Una de ellas es Fallen Leaves, el regreso de Aki Kaurismäki con su encantadora comedia romántica enfocada en el proletariado. Quiénes amamos esta película nos dejamos ilusionar con las nominaciones de los reformados Globos de oro, los cuales, además de distinguirla en la categoría de película de habla no inglesa, dieron mención a la fantástica actuación de Alma Pöysti en actriz de comedia o musical. La idea de que Fallen Leaves trascendiera de la categoría de internacional junto con las otras laureadas de Cannes nos hizo ignorar un nefasto detalle: MUBI estaba detrás de su campaña.

Ya van dos años consecutivos donde la distribuidora ha fallado en conseguir nominaciones para trabajos de autores de renombre, siendo el primer caso Decision to Leave (2022) de Park Chan-wook. El amor por Anatomy of Fall o The Zone of Interest demuestran que no es falta de interés por candidatas internacionales. Pensar en lo que se pudo lograr si NEON o A24 estuvieran detrás de esta cinta solo es agregar sal a la herida. De igual forma, resulta irónico ver como necesario un reconocimiento tan pomposo al cine de Kaurismäki, quien se enfoca en mostrar lo hermoso en lo ordinario y  las luchas de la clase obrera, imprimiendo su estilo peculiar que mezcla el deadpan con las tragedias del azar. – Juan Andrés Rodríguez

 

May December (Dir. Todd Haynes)

Categorías en las que debió aparecer: película, dirección, actriz, actor de reparto y actriz de reparto.

Todd Haynes no hace cine pensando en premios. ¡A Dios gracias que no! El realizador estadounidense es esa gente que la mañana de nominaciones se levanta como cualquier otra, respira el aire límpido de la ciudad donde ande y le interesa poco el bullicio alrededor. No obstante, a nosotros sí nos importa, y si hubo un robo en la mañana del 23 de enero de 2024, fue a este señor y el formidable trío de Natalie Portman, Julianne Moore y Charles Melton, la revelación de la cinta. ¿Una única nominación a mejor guion original? Parece que el filme le picó demasiado en la incomodidad a los votantes y decidieron hacerle caso omiso. Grave error.

May December es una película incómoda, vaya noticia, pero dentro de su incomodidad genera una adhesión a los sucesos casi tan enfermizos como la premisa y la falta de moralidad de sus protagonistas. Haynes demuestra que es, sobre todas las cosas, un magnífico director de actores, al servicio de ellos y no a ellos al servicio de la escena. Es un director que ama trabajar con personas, humanizar demonios y dar voz a esas almas perdidas que no son capaces de escucharse a sí mismas. El rey de la sutileza, máximo exponente del “sacar belleza de este caos es virtud” que inmortalizó Gustavo Cerati en una canción. Obvio que no pensó en Haynes, pero qué bien le calza.

Año tras año crecen aquellas voces que se embanderan en la causa perdida de reivindicar aquellos que no recibieron una nominación al Óscar. Lucha perdida que en este caso tiene bastante sentido, un trío soberbio que no recibió ni las gracias ese día, nada. Por supuesto que ni Portman ni Moore se hacen cosquillas con otra nominación, el mérito ya lo tienen, la historia las juzgará, pero parece ilógico la falta de menciones o alabanzas. Merecidas las hubieran tenido. – Valentina Starcovich

 

Monster (Dir. Hirokazu Kore-eda)

Categorías en las que debió estar nominada: dirección, guion original, actriz de reparto, actor de reparto.

Por primera vez en la historia de los Óscars, la candidata japonesa a mejor película internacional no fue dirigida por un director japonés. Dado que no he visto Perfect Days de Wim Wenders porque aún no se estrena en México, me es imposible emitir un juicio acerca de los méritos de haberla seleccionado por encima de otras producciones como representante japonesa. Sin embargo, Monster, el regreso de Hirokazu Kore-eda a las producciones japonesas desde Shoplifters (2018), pudo haber sido una candidata digna para representar a Japón en esta edición de los Óscar.

En Monster, la historia del guionista Yuji Sakamoto (que le valió el premio a mejor guion en Cannes) juega con las perspectivas de tres personajes alrededor de una serie de incidentes. Rápidamente, nos encontramos emitiendo juicios y tomando partidos, pero la película devela lentamente la verdad detrás de los hechos, obligándonos a reevaluar nuestras fidelidades y a reflexionar por qué tendemos a buscar culpables.

Particularmente, la película destaca por su elenco. El trabajo de Sakura Ando como Saori Mugino, la madre soltera que se enfrenta a la indolencia de las autoridades escolares, es desgarrador al transmitir impotencia y desesperación. De igual forma, si a la Academia no le diera miedo nominar a niños, hubiera podido reconocer el trabajo del joven Soya Kurokawa de 14 años, quien interpreta a Minato Mugino, con un trabajo conmovedor que retrata la lucha interna para comprender emociones reprimidas.

Es la película que más he recomendado desde que la vi y cada persona que me toma la palabra después comenta que le pareció una película hermosa. A veces el word of mouth es más poderoso como recomendación que una nominación a un premio. – Andrea Marín Serrano

 

Past Lives (Dir. Celine Song)

Categorías en las que debió aparecer: dirección, actriz, actor y actor de reparto.

Así como la fantástica Women Talking (Sarah Polley, 2022) en la ceremonia pasada, Past Lives obtuvo el dudoso logro de solo tener dos nominaciones: mejor película y mejor guion. Toca preguntarse si la película se dirigió sola y no tuvo actuaciones destacables que la hicieran contendiente de esas dos categorías. La sublime dirección de Celine Song está a la par de su guion. Al narrar esta devastadora historia de tres personajes, tres tiempos y tres países, en el que los reencuentros y la conciliación con el pasado son temas recurrentes, Song exuda confianza manejando a sus actores y construyendo lentamente una historia rebosante de capas sobre la melancolía de la vida adulta, así como los cuestionamientos tortuosos de lo que podríamos haber hecho diferente.

Al igual que Song en dirección, el trío de actuaciones de Past Lives quedó injustamente ignorado. Greta Lee es fantástica, transmitiendo con pureza los anhelos del pasado y la duda constante de si está viviendo su mejor vida o simplemente conformándose con el presente. Teo Yoo está repleto de nerviosismo sutil y momentos discretos que transmiten su personalidad contenida y frustraciones por no poder volver el tiempo atrás. Por último, ni qué decir de John Magaro, una actuación soberbia y mínima que en otras manos pudo convertirse en un cliché, pero que en las suyas es una muestra arrebatadora de lo complicado que es amar y dejarse amar por otros. Tal vez no sean actuaciones ruidosas y físicamente transformadas, pero son tres interpretaciones arrebatadoras y complejas que merecían ser celebradas. – Cesar Guedez

 

Priscilla

Categorías en las que debió aparecer: película, dirección, guion adaptado, actriz, vestuario, maquillaje y peinado, diseño de producción.

¿Qué es lo que tiene que hacer Sofia Coppola para que su industria le dé el lugar que tanto merece? Ya pasaron más de 20 años desde que ganó un Óscar a mejor guion original y, aunque sus películas mejoran en calidad e influencia, sus esfuerzos son ignorados una y otra vez por la Academia.

En esta ocasión, Priscilla no obtuvo ni una nominación. Ni por la actuación de Cailee Spaeny, quien se llevó el premio a mejor actriz en la pasada edición de Venecia, ni por el vestuario, maquillaje y peinado o diseño de producción, aspectos técnicos que fueron esenciales para ser transportados a la vida de los Presleys. Este desaire duele más cuando uno recuerda que la otra cinta de Elvis Presley haya figurado fuertemente en la edición pasada de los Óscars. Ay, ser mujer discreta e inquisitiva en Hollywood… – Alessandra Rangel

 

Tótem (dir. Lila Avilés)

Categorías en las que debió aparecer: película internacional.

Otro año en el que la categoría de película internacional es predominantemente europea. No es sorpresa, pero es decepcionante que la Academia se limite a nominar a los mismos países de siempre con propuestas que apelan al público estadounidense. Tótem era la única película latinoamericana en la lista corta de la categoría internacional.

La hermosa e íntima película de Lila Avilés sigue a Sol (Naíma Sentíes) una niña de siete años que pasa el día en la casa de su abuelo paterno para celebrar el cumpleaños de su moribundo padre Tona. Casi en tiempo real, Avilés filma con experticia la dinámica familiar, ahondado con fragilidad en los miedos más profundos de la familia ante la enfermedad de Tona, mientras que la pequeña Sol intenta darle sentido y definición a la pesadumbre con la que los adultos hablan a sus espaldas.

La ausencia de Tótem en las nominaciones representa dos cosas: primero, que la Academia necesita reformar la categoría, sea expandiendo el número de nominadas por año, aplicando una cuota de diversidad de nominadas por continente, o sincerándose y cambiándole el nombre a Mejor película europea. Segundo, que joyas tan discretas y autóctonas de la vivencia latina pasan desapercibidas para una institución que busca constantemente la grandilocuencia y el histrionismo. – Cesar Guedez

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