Palomita de maíz

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Las 20 mejores películas de la primera mitad de 2022

Escrito el 27 julio, 2022 @bmo985

Este 2022, más que nunca, creemos de nuevo en el poder del cine. Ya sean las películas de acción que han sido los grandes éxitos del año, los dramas realistas que examinan las perspectivas femeninas en distintas partes del mundo, las exploraciones intimistas de la familia y la identidad propia, las comedias románticas cuyos protagonistas buscan y vuelven a buscar el amor, el cine de terror que nos entretiene de forma escandalosa, las crónicas de superhéroes que al fin se sienten hechas para adultos, épicas históricamente precisas, thrillers tecnológico-voyeuristas o aquellas películas que piden por nuestro silencio y comprensión. A cada gusto le corresponde un filme.

Es por eso por lo que el equipo de Palomita de Maíz ha votado por sus películas favoritas de la primera mitad de este 2022. Solo nos queda esperar que la segunda mitad de este año nos depare aún más cine de calidad. Esperamos que disfruten este conteo.

 

Adam, mujeres en Casablanca

Dir. Maryam Touzani.

Siempre me refiero a la vida como un viaje complejo y agotador, pero el viaje de una mujer es (en la mayor parte del mundo) más turbulento y muchas veces solitario. Hacer frente a la vida como una es parecido a ir cuesta arriba cargando tres veces tu peso. En Adam, mujeres en Casablanca, la directora Maryam Touzani brinda una historia en la que sus protagonistas femeninas se encuentran y se acompañan en esa cuesta. Cada una (incluso la más pequeña) carga con algo, y tenerse la una a la otra les reconforta y da fuerza. No hay nadie mejor que otras mujeres para entender y acompañar.

La directora muestra cómo los pequeños detalles de la cotidianidad (la música, el anochecer, una fiesta tradicional) pueden, si los dejamos de ver como una rutina, ayudar a sanar. Es también un acercamiento a la maternidad y a los deseos de vivirla o no. Delicada, sencilla, sensible y disfrutable, Adam, mujeres en Casablanca es una cinta que vale la pena considerar en este conteo. – Ale S.

 

After Yang

Dir. Kogonada.

After Yang

Las memorias son las conexiones que definen a los seres humanos. Con After Yang, el director Kogonada construye un relato reflexivo que contempla el amor. Jake (Colin Farrell), Kyra (Jodie Turner- Smith) y la pequeña Mika (Malea Emma Tjandrawidjaja) lidian con la inesperada descompostura de Yang (Justin H. Min), un androide que no solo forma parte de la familia, sino quien también experimenta emociones y especula sobre el propósito existencial de la vida.

Kogonada presenta su segunda película tras la aclamada ópera prima Columbus (2017). Se trata de un sutil drama que, si bien no logra impulsar su contexto de ciencia ficción en torno a los pormenores de la inteligencia artificial, destaca por un detallado aspecto visual que ahonda en los recuerdos como los medios que despiertan la empatía y refuerzan las relaciones humanas. El filme también cuenta con una notable secuencia de baile que, además de ser una de las más comentadas durante la primera mitad del año, anticipa la dinámica familiar. – Mariana Fernández

 

Benediction

Dir. Terence Davies.

Estrenada en la edición de 2021 del Festival de Cine de Toronto, Benediction marcó el regreso de Terence Davies después de cinco años de ausencia. Inspirada en la vida del poeta Siegfried Sassoon, es una de esas películas biográficas que ya no son tan comunes: el cineasta hace una exploración profunda del sujeto de estudio, tiene su propia visión y no la compromete en aras de popularidad, y el elenco ofrece interpretaciones sentidas y enfocadas en la presentación de un ser complejo y no una simple imitación.

En la cinta, Jack Lowden y Peter Capaldi interpretan al poeta durante distintos momentos de su vida, quién quedó marcado por la Primera Guerra Mundial, la imposibilidad de ser él mismo en un mundo moralista y una tendencia agobiante a la depresión. Temperamental, nostálgica y pensativa, Benediction presenta elegantemente la vida asombrosa de un hombre que nunca la apreció por lo que fue, sino por lo que le faltó. – Alessandra Rangel

 

Cha Cha Real Smooth

Dir. Cooper Raiff.

CHA CHA REAL SMOOTH

Andrew (Cooper Raiff) es un veinteañero que se encuentra en la batalla de encontrar el trabajo ideal como recién egresado de la universidad. Su afabilidad y sensibilidad que ha demostrado desde una edad temprana le ganan simpatía de todos a su alrededor. Dada la naturaleza de su personalidad, Andrew encuentra un nicho de negocio que podría ser lo que estaba buscando y algo más: animar bar mitzvah. En su nuevo trabajo, Andrew conoce a la joven madre Domino (Dakota Johnson), y a su hija Lola (Vanessa Burghardt). Tanto madre como hija se sienten marginadas del grupo social y el protagonista se toma la tarea de hacerlas sentir bien en los eventos a los que asisten. Él se fascina por Domino y desarrolla sentimientos hacia ella, sin embargo, estos pueden no ser correspondidos.

Cha Cha Real Smooth es una comedia romántica y un coming of age que nos recuerda mucho a las películas de este género estrenadas en los noventas y principios de los dos mil, pero con algunos giros de tuerca que, si bien no la hacen innovadora, la hacen más refrescante que el resto de las ofertas contemporáneas. Es un filme dulce que juega con el arquetipo del Manic Pixie Dream Boy. Raiff dirige con una visión tierna esta historia que sobrepasa el amor romántico y la llegada a la adultez y plantea otras temáticas, incluyendo las dinámicas familiares cuando uno de los miembros posee una discapacidad no visible, la salud mental y la vida después de la universidad en el panorama laboral actual. Esta película provocará que sus mejillas duelan de tanto sonreír y probablemente sus ojos se deshidraten de tanto llorar. – Kathia Villagrán

 

La civil

Dir. Teodora Mihai.

Aunque pudiera parecer una película más sobre la violencia que se vive en nuestro país. La civil muestra la fortaleza y entereza con la que las víctimas de la violencia lidian con ella. Esta fuerza es transmitida en la actuación de Arcelia Ramírez, quién carga por completo con la historia a través de su personaje, Cielo. Ella, al saberse sola, enfrenta aguerrida y sin temor (pues lo más importante en su vida ya lo perdió) a los secuestradores de su hija. La civil va más allá y es también una historia de amor, de ese que no tiene límites y que todo lo puede.

La cinta refleja una historia de muchas, que bien podría ser la de Mirna Nereyda Medina, la de Maricela Escobedo o la de Cecilia Flores, todas ellas madres como Cielo y que hicieron lo imposible por encontrar justicia y verdad. Nunca tendremos suficientes filmes que ayuden a empatizar con las personas que han perdido a alguien en medio de la violencia que se vive en México; por eso y por contar la historia de una madre (que representa a muchas), La civil es una de las mejores películas de 2022. – Ale S.

Fire Island

Dir. Andrew Ahn.

Noah (Joel Kim Booster) y su grupo de amigos se reúnen en Pines, Nueva York para compartir una semana de vacaciones de verano que los llevará a reflexionar sobre su amistad y sus ideas sobre el romance y las primeras impresiones. Dirigida por Andrew Ahn y escrita por Joel Kim Booster, Fire Island es una representación diversa de la homosexualidad, el romance y la amistad, así como una aproximación actual, divertida y sensual del clásico romántico Orgullo y prejuicio de Jane Austen.

La cinta ofrece una mirada moderna y original a la comunidad LGTBQ por medio de la comedia romántica, y representa la fortaleza y honestidad de los vínculos que se forman entre amigos que, por circunstancias de la vida, se convierten en una familia verdadera. Así, lo que en el cine se ha abordado tradicionalmente desde el drama y la tragedia, se transforma en el elemento clave y unificador de una lograda historia romántica. – Lourdes Yactayo

 

Hit the Road

Dir. Panah Panahi.

El cine iraní está pasando por un momento destacable con títulos que traen la atención a una nueva generación de cineastas. Dentro de estos destaca Panah Panahi (hijo del afamado cineasta Jafar Panahi) con su ópera prima Hit the Road. En esta cinta, Panahi mezcla el drama con la comedia para presentar una road movie en la que no se dan muchas explicaciones sobre el contexto, pero pronto se entiende lo que sucede: una familia se dirige a la frontera turca para ayudar a que el hijo mayor escape de Irán. Las razones son desconocidas, pero la premura es evidente, demostrando lo que miles de familias deben enfrentar al disentir del gobierno local.

Cálida debido a las interacciones entre el papá y el hijo menor (la pequeña estrella Rayan Sarlak), innovadora gracias al uso continuo de secuencias que dejan volar la imaginación, y exponencialmente dolorosa conforme la familia se acerca a su objetivo, Hit the Road deja una sensación agridulce una vez que finaliza. Aun así, la representación de sus personajes, desde una mamá dominante hasta un papá cariñoso, hace que la cinta sea una de las historias más tiernas del año. – Alessandra Rangel

 

El hombre del norte

Dir. Robert Eggers.

La mitología nórdica suele llamar la atención cinematográfica por tratarse de una cultura que integraba fuerza física, organización política, mística y el arte de la navegación. El hombre del norte no solo resalta la visceralidad vikinga, sino también ejecuta un intenso periplo de venganza combinado con la cosmología.

La tercera película de Robert Eggers afianza su sello como autor, enfatizando el terror folklórico y los planos fijos y secuencias que exaltan la épica de Amleth (Alexander Skarsgard), un vikingo que añora vengar la muerte de su padre, el Rey Aurvandil (Ethan Hawke), asesinado por su tío Fjölnir (Claes Bang). Con una epopeya inspirada en Hamlet de William Shakespeare, el director traza de forma brutal la masculinidad con el onirismo, logrando un relato previsible y con acertados giros en su narrativa. Todo ello sin abandonar el retrato del honor, el linaje, la esclavitud y la confrontación de los demonios personales. La exaltación del Valhalla. – Mariana Fernández

 

Kimi

Dir. Steven Soderbergh.

Tal vez la única película pandémica que jamás necesitaremos, Kimi de Steven Soderbergh es un emocionante thriller que, sin los giros y dobles traiciones de su cinta anterior, Ni un paso en falso (2020), resulta igual de fascinante en su denuncia a nivel de calle de las corporaciones y los hombres con demasiado poder. Zoë Kravitz interpreta a una mujer agorafóbica que debe alertar a las autoridades del descubrimiento accidental de un crimen y, en el camino, vencer sus propios demonios. La excelente actuación de Kravitz está llena de detalles entrañables, como su tic de secarse las manos cada vez que se pone gel desinfectante en las manos o su determinación para hacer lo correcto, aunque eso implique salir de casa, consolidando a su personaje, Angela, como un héroe común y corriente.

Soderbergh, como es costumbre, deja volar su creatividad y demuestra de nuevo que es uno experto narrador visual. Kimi es una de las mejores películas de 2022 porque no solo sirve como un escaparate para el inteligente estilo de su director, sino también porque es una suerte de terapia intensiva para su personaje central quien, con mucho esfuerzo, se enfrenta a un hombre poderoso para hacer justicia y superar su trauma. Todo esto hecho con el humor ácido y la sofisticación visual de Soderbergh, a quién no podemos dar por sentado. – J. Alejandro Becerra

 

Lingui, The Sacred Bonds

Dir. Mahamat Saleh Haroun.

Siendo el aborto un tema constantemente vigente, los tiempos modernos vuelven a abrir un “debate” que parece no tener fin, y que constantemente, termina con juicios y culpabilización hacia la mujer. Lingui, The Sacred Bonds es un acercamiento a la vivencia femenina del aborto en el país africano de Chad, lugar en el que es condenado desde el punto de vista legal, moral y social. La película se une a otras excelentes narrativas recientes sobre el aborto por su capacidad implacable de denunciar el trato dado a la mujer por parte de la sociedad, subrayando la hipocresía de juzgar desde la religión y de los costos emocionales y económicos que implica realizarse un aborto en condiciones infrahumanas.

Amina (Achouackh Abakar Souleymane) es madre soltera de la adolescente de 15 años, Maria (Rihane Khalil Alio). Amina descubre que Maria está embarazada, y la chica le pide, o más bien, suplica, que la ayude a realizarse un aborto. Este duro recorrido de madre e hija por burlar tanto la arcaica ley de su país como los juicios de sus vecinos entrometidos, es solo uno de los pilares que hacen de Lingui una gran película. Lo que queda al final es una reflexión sobre el valor de la sororidad, subrayado en el apoyo entre mujeres en situaciones de crisis ante un mundo patriarcal que hace todo lo posible por complicarles la vida. Es hermosa, desoladora y aterradoramente vigente cuando hace hincapié en los argumentos provida, los cuales son más bien un camuflaje para crueles discursos de odio hacia las mujeres y su vida privada. – Cesar Guedez

 

Memoria

Dir. Apichatpong Weerasethakul.

La obra más reciente del cineasta tailandés Apichatpong Weerasethaku, ganadora del Premio del purado en el Festival de Cannes 2021, representa la primera vez que el director se aventuró fuera de su país natal, hallando refugio en Colombia de mano de un elenco internacional de lujo: Tilda Swinton, Daniel Giménez Cacho y los colombianos Elkin Díaz y Juan Pablo Urrego. El resultado es un filme espectacular de silencios, sonidos estruendosos y espesura selvática en el que Weerasethakul sigue de cerca a Jessica (Swinton), cuya estancia en Medellín para visitar a su hermana es interrumpida por extraños sonidos que la siguen por toda la ciudad. Es un eufemismo decir que Memoria incluye una de las mejores secuencias de efectos especiales de toda la década por demostrar que, en este rubro, menos es más.

En parte una aventura científica para develar el misterio sónico y en parte un viaje hacia el corazón de la geografía colombiana, Memoria pinta un horizonte de sonidos e imágenes de opulento verdor, apoyándose en las grandes actuaciones de Juan Pablo Urrego y de Elkin Díaz, así como de Swinton, quiénes representan la conexión de Jessica hacia lo inexplicable. De nuevo Weerasethakul nos sumerge en su mundo propio para preguntarse sobre la relación del sonido con nuestras vidas, ejercicio que alcanza su punto más álgido durante la recta final de la película, en la cual se desenvuelve un cúmulo de historias y memorias fuera de campo, es decir, solo auditivamente. Más que ninguna otra cinta, Memoria debe experimentarse en el cine. – J. Alejandro Becerra

 

Pleasure

Dir. Ninja Thyberg.

El primer largometraje de la directora Ninja Thyberg fue una de las películas más comentadas y controvertidas del Festival de Sundance 2021. Con su reciente estreno en MUBI entendimos por qué. Pleasure se adentra de manera cruda en la industria pornográfica mainstream a través de la historia de Linnéa (Sofia Kappel), una joven sueca que emigra a Los Ángeles con las intenciones ingenuas de convertirse en la próxima gran estrella del porno. La honestidad por la que nos lleva la directora se expone en un viaje emocional caótico, desenfrenado y brutal por un mundo que, inevitablemente, utiliza y vende a las mujeres como objetos de consumo. Nunca resultan victoriosas por más positividad sexual que venda la industria.

Thyberg explora las estructuras de poder que conforman la industria pornográfica dominada por hombres que poco o nada les importan las incomodidades femeninas o los “no” que decidan poner en su trabajo. Esto hace que la película sea contundente al mostrar las formas obvias y sutiles de explotación y los abusos machistas contra las actrices, quiénes no son juzgadas bajo una lupa moral. A esto se complementa una actuación virtuosa de la debutante Sofia Kappel en un rol que exige mucho a nivel emocional. Varias de las escenas de Pleasure hacen querer apartar la mirada, pero es una realidad que merece ser confrontada, con toda la prudencia, respeto y cruda honestidad que la directora presenta aquí. – Cesar Guedez

 

RRR

Dir. S. S. Rajamouli.

En tiempos recientes, el arte del cine épico se ha destilado de poco a poco. Esto se debe a una generalización de los llamados “eventos” cinematográficos que, a pesar de ocupar el puesto del que solía ser uno de los géneros dominantes de la industria cinematográfica, sufren de una falta de creatividad en cuanto a su ejecución, resultando en historias, desarrollos y personajes poco reconocibles y aún menos memorables.

No obstante, RRR, blockbuster de Tollywood (una de las dos industrias cinematográficas en la India) demuestra que allí esta tradición se encuentra más que viva. La película presenta la amistad entre Bheem (N.T. Rama Rao Jr.) y Raju (Ram Charan), una unión tan poderosa como pura de corazón, y un elemento que nos introduce a una historia rica en temas y escenas de acción. Tocando temas anticolonialistas y revolucionarios a la par que muestra una historia de heroísmo, redención, traición y la importancia de la amistad y la familia, esta épica india inspira en la mente de sus espectadores imágenes que revitalizan el fervor por el cine. Así como George Méliès hizo su Viaje a la luna, RRR es un recuerdo del poder que tienen las imágenes en el cine y lo maravilloso que este llega a ser cuando se posibilitan imposibilidades. Todos sabemos que un hombre no puede levitar en el aire o que uno no puede pelear en contra de un tigre, pero el cine es el medio perfecto para convertir leyendas en realidades. – Carlos Ruiz

 

Scream

Dirs. Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett.

La saga ideada por Wes Craven allá por 1996 vuelve con su quinta entrega y la primera tras el fallecimiento del creador. Este reboot/secuela ofrece el mismo nivel de calidad y diversión que el resto de la saga que tiene como único propósito reírse de las tendencias cinéfilas actuales a través del slasher. La historia trae de vuelta al elenco original a la par que introducen nuevos personajes y sigue la estela narrativa que siempre ha guiado a esta saga.

En estos años, durante la creciente moda de revivir películas olvidadas por el público y tirar de nostalgia en Hollywood, Scream vuelve a reírse de las modas que acoge el gigante de la industria audiovisual calcando paso por paso los puntos más álgidos de las películas revival de las sagas más famosas, como Star Wars: El despertar de la fuerza o Ghostbusters: El legado. El suspense y la comedia vuelven a apoderarse del público para descubrir quién es el asesino en esta nueva entrega. – José Manuel Medina

 

The Batman

Dir. Matt Reeves.

En 2022, el personaje alado de Ciudad Gótica se encontraba en una posición poco afortunada, pues en poco más de 10 años se ha llevado a la pantalla grande en tres encarnaciones distintas: el vociferante Batman encarnado por Christian Bale, el apuesto que envejece con gracia y tiene pesadillas alusivas al fascismo kriptoniano del infravalorado Ben Affleck y aquella que nos ocupa ahora, con un Robert Pattinson caracterizado en lo que solo podría describirse como un estilo neo emo. Después de que la encarnación de Affleck durara apenas unos años y resultara en una de las peores películas del hombre murciélago, era lícito un augurio reservado para esta nueva entrega, por mucho que uno fuera fanático de Pattinson y del director Matt Reeves (Cloverfield).

Por ello es por lo que me llevé una gratísima sorpresa cuando esta versión de 180 minutos regaló una historia digna del cine negro, retomando al personaje in medias res, ahorrándose los detalles de sus consabidos orígenes (si tengo que volver a ver el asesinato de los Wayne en un callejón, tendré que dedicarme a otra cosa), y en lugar de ello sumergiéndose en una oscurísima Ciudad Gótica de la mano de las inspiradas imágenes del director de fotografía Greig Fraser. Tal vez Pattinson no esculpió sus músculos como lo esperábamos, pero, al consagrarse de cuerpo y alma al papel, nos obsequió el mejor Batman desde Michael Keaton. Tómenlo de un escéptico del cine de súper héroes como yo: The Batman nos hizo creer otra vez. – J. Alejandro Becerra

 

The Worst Person in the World

Dir. Joachim Trier.

Crecer es difícil y The Worst Person in the World es una película que logra representar esto. Joachim Trier presenta 12 capítulos (con un epílogo y un prólogo) de la vida de Julie (Renate Reinsve) con una delicadeza y preocupación por lo que le depara al personaje y con sumo cuidado ante una representación fidedigna de lo complicada y absurda que llega a ser la vida. La película termina siendo un coming of age muy peculiar debido a la exploración de la vida de Julie a los 30, pero no por eso deja de ser una indagación maravillosa de alguien que sigue buscando su lugar.

Reinsve, ganadora del premio a Mejor actriz en Cannes 2021, utiliza a Julie como un medio por el cual transmitir vulnerabilidades, inseguridades y una humanidad que pocas veces se ven en pantalla. Lograr algo así, tanto la representación efectiva de los caminos de la vida como la empatía por un personaje sumamente humano que busca su individualidad, es una tarea compleja y no me deja de sorprender que Trier y Reinsve lo lograron. Asimismo, la delicadeza con la que los temas sobre la posición de una mujer en la sociedad son abordados convierten a The Worst Person in the World en una de las películas esenciales del año. – Carlos Ruiz

 

Todo en todas partes al mismo tiempo

Dirs. The Daniels.

Hay historias que solo el cine puede contar al requerir del lenguaje cinematográfico en su totalidad para transmitir su mensaje. Todo en todas partes al mismo tiempo es definitivamente ese tipo de historia, una aventura multiversal que satura los sentidos, difícil de describir por su excentricidad y ambición. Los Daniels (Daniel Scheinert y Daniel Kwan) mezclan un sinfín de elementos y géneros en la edición, una sobrecarga que está bien lograda por la confianza en la visión planteada. El elenco también se destaca, con Michelle Yeoh dando la mejor interpretación de su carrera, un testimonio y homenaje a su capacidad actoral.

No obstante, lo más sorprendente de este filme es que, a pesar de lo increíble y ridículo que resulta, nunca pierde de vista su humanidad. En su centro yacen preguntas sobre la familia, el amor, el fracaso, los traumas generacionales y la aceptación, temas que seguramente resuenan con las vivencias de sus espectadores, recordándoles que no están solos en el caos del mundo. Esta película es imposible de olvidar y tiene que verse para creer y sentir todo. – Juan Andrés Rodríguez

 

Top Gun: Maverick

Dir. Joseph Kosinski.

Fiel a su compromiso de poner su vida en riesgo en cada filmación como la última gran estrella de Hollywood, Tom Cruise, de la mano del director Joseph Kosinski, trajo de vuelta a la muy palomera película de acción ochentera Top Gun. Aquella, dirigida por el finado genio Tony Scott, no pasaba de ser un ejercicio de cursilería patriótica en plena Guerra Fría de la entonces estrella en ascenso. Así que era lícito pensar que la nueva entrega, 36 años después, poco tenía que ofrecer.

Afortunadamente, estábamos equivocados. Apenas meses después de su estreno, Top Gun: Maverick es un éxito en todos los rubros imaginables: es la película más taquillera del año (sin rival que se asome por los siguientes meses) y la más aclamada por la crítica cinéfila. Es el tipo de blockbuster que ya no existe: hecho para adultos, con escenarios reales y, a pesar de formar parte de una propiedad ya existente, que no depende de la nostalgia como argumento central. Es un milagro del mismo nivel que lo fue Mad Max: Fury Road en 2015, es decir, una reinvención espectacular de una saga que creíamos desaparecida.

Pete “Maverick” Mitchell, el mismo piloto talentoso, arrogante y que desdeña las órdenes de sus superiores – protegido por su otrora rival “Iceman” (Val Kilmer, en su primer papel en muchos años) – regresa a la academia de élite para formar a una nueva generación de pilotos, solo para descubrir que sus días de chaquetas de cuero, motocicletas y actitud de lobo solitario en la Marina están contados, encontrando al final de este camino a “Rooster” (Miles Teller), hijo de “Goose”, su amigo fallecido en la película anterior. Una última misión lo coloca en un par de las mejores secuencias de acción del año, pues fueron grabadas en aviones caza reales, lo que hace que Top Gun: Maverick no solo reafirme nuestra fe en el poder de asombro del séptimo arte (exhibido de forma exclusiva en una sala de cine, por supuesto), sino también en las acrobacias de carne y hueso, que, dicho sea de paso, se ven mejores cuando no están hechas delante de una pantalla verde. – J. Alejandro Becerra

 

Turning Red

Dir. Domee Shi.

Aún sin haber sido estrenada en cines, Turning Red tiene destinado un lugar en la cultura popular. El trabajo de Pixar Animation Studios rompe esquemas visuales con secuelas como Lightyear y avanza en materia narrativa en obras maestras como Soul y Turning Red. En esta última, ya no existe la pretensión de imaginar qué sienten los peces, los juguetes y los sentimientos, sino de indagar más en la relación madre-hija y en la importancia de las amistades para el bienestar de los adolescentes.

En Turning Red, Pixar habla sin vergüenza de la menstruación como una primera estación en el camino a la identidad de una joven mujer. El cuerpo de Mei Lei, la protagonista, se convierte en una criatura extraña, roja e impredecible que requiere no solo de la ayuda de toallas higiénicas, sino de una comprensión completa del pasado familiar. Camino a ser adultos sanos, necesitamos que nuestra identidad no sea moderada por la disciplina de una madre severa, sino de la serenidad que viene de entender a nuestros padres y dedicarnos a nuestros amigos. – Carlos Yaya

 

X

Dir. Ti West.

La cantidad de cine slasher que se ha estrenado a lo largo del año puede ser abrumadora, pero si hay que quedarse con uno sería X de Ti West. La historia está centrada en un equipo de producción pornográfica que alquila una casa aislada. Todo se torna rápidamente en una situación inquietante que no tardará en explotar contra los nuevos inquilinos.

X es un filme que no busca trascender ni la glorificación, que es fiel a sus raíces, y que elabora un tablero meticuloso lleno de personajes bien escritos para darles caza en su alocado tramo final que mezcla diversión y denuncia social a partes iguales. La película empieza dándonos un thriller con personajes ambiciosos que se creen especiales por encima del resto, lo que de cara al final les acaba pasando factura. Es triste y divertida a la par que conservadora y fresca. Una apuesta segura para los amantes del género y, por ahora, el slasher del año. – José Manuel Medina

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